Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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EVA (La Palabra)

 

 

Fernando Biderbost en su taller / Fotografìa por Erlanz Biderbost.

 

 
EntreVistArtista (EVA) © 2009 - 2018
Entrevista con Fernando Biderbost (Bilbao)
Por Rosa Matilde Jiménez Cortés (Mèxico)

 

Artífice de su tiempo y espacio, Fernando Biderbost expone en entrevista concedida a EVA, pasajes de una vida en cuyo cromatismo lírico contrasta la madurez creativa del artista con la parsimonia atemperada del hombre, tal como la genuina idiosincrasia del pueblo vasco. De trayectoria amplia y sólida, y un actuar diario en base a la reflexión y el diálogo con su obra, Biderbost no conoce la derrota porque en el fracaso está avanzar hacia el camino buscado.  
 
Perspectiva orbicular trazada por el diario ir y venir sobre la materia pictórica, el artista demarca en sus respuestas la necesidad al deseo, aislando el mundo de afuera de la intimidad de su universo sin que al hacerlo se distancie del otro, la otredad que también es él y la suma de todos. Las respuestas vertidas por Biderbost rezuman humanidad y conocimiento de causa, en ellas desnuda la verdad sin pudor porque sabe que a través de ella encontrará el camino de regreso a casa, ese espacio interior tan celosamente protegido que todo artista guarda para sí y muy difícilmente comparte.
 
La palabra en el pintor vasco se ofrece generosa y sin cortapisa, es una declaración de principios vertida desde la generosidad del sapiente de cuya humanidad da fe su obra, porque el conocimiento en Biderbost es un perpetuo cortejo para alcanzar la perfecciòn aunque no sea el fin buscado. Conceptos y preceptos de un poeta metafísico de la plástica, mi entrevistado deja caer el pincel de su filosofía con la cotidianidad de la respiración que comparte con naturalidad, en un gesto espontáneo.
 
Biderbost es hijo de su condición humana y una filosofía bruñida con el cincel del acto creativo; es hijo de sí mismo, tallado por propia mano porque hace de la observación un hábito, un camino, una escuela; Biderbost abre puertas a la búsqueda interior como buen conocedor de su oficio, pero además, es hijo de sus causas y circunstancias. Maratonista de tiempo completo, sus respuestas dejan entrever que su finalidad no es alcanzar la meta, ni vestir el lienzo de color o hallar en la forma los mecanismos de su pensamiento; es encontrarse libre de dogmas y esclavitud social.
 
En Fernando Biderbost el tiempo no es cuestión de horas, son instantes de reflexión donde la soledad y sus marcados silencios son las manecillas del reloj que lo mueven hacia puntos distantes pero a la vez cercanos. Eterno amante de su pintura la expone sin efectos más no de causas. Su pintura es la mujer en él, es feminidad y esencia en el hombre, es la anatomía de su pensamiento que también es himen transfigurado, una pintura celosa que lo reclama y no lo deja separarse de la materia.
 
 
Còrdoba, enero de 2018. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Escáner Cultural nº: 
202
Arte y Tecnología

Muro Oriente Mural (((KO))), Estación Metro Quinta Normal. En la Foto Mario Lagos. Autor foto: Rodolfo Pereira

 

MURAL ELECTRÓNICO EN LA ESTACIÓN DE METRO QUINTA NORMAL
INVITA A LA MEDITACIÓN EN MEDIO DEL CAOS


Metro Quinta Normal, Santiago de Chile

http://www.yto.cl/ko

      Emplazado en medio de la Estación Quinta Normal del Metro de Santiago, el mural electrónico de la artista Yto Aranda genera un espacio de introspección contrarrestando el caos y estrés urbano habitual de Santiago. Se trata de una serie de pinturas electrónicas sonorizadas, con movimiento y muy coloridas, inspiradas en la naturaleza.

 


Por Verónica Rubio

El nombre del mural es (((KO))) Ɛ>-<((aQua_esfera))>-<3. Ko en mapudungún significa agua y se compone de ocho módulos hexagonales donde se fusionan la pintura con tecnologías contemporáneas a través de la electrónica y lo digital. Es un trabajo que conecta con la naturaleza y el agua como elemento fundamental de la vida, invitando a las personas que transitan por el Metro a hacer una pausa y reflexionar, sacándolas de un contexto que  resulta tenso en lo cotidiano.

De hecho la artista concibió la obra luego de sus numerosos viajes en este medio de transporte, conmovida por el estrés de los usuarios y del simbolismo del tren subterráneo para el sujeto urbano contemporáneo. “El metro no sólo es el gran sucesor del ferrocarril como emblema de la modernidad, sino que se define como un tren que viaja, (idealmente) a alta velocidad en forma subterránea. Ello nos conecta con la rapidez como síntoma de la globalización, así como con los altos índices y deseos de productividad propios del capitalismo más desatado. Esto me lleva directamente a pensar también su otro extremo: el metro es evidencia del fracaso. El tren falla, se detiene, colapsa. Se transforma en las horas peak en un hervidero de violencia y corporalidad tensa, rígida. Con todo, el viaje en estas condiciones es quizás para alguno el momento en que estará más cerca en todo el día de la otredad física humana, del contacto directo de esa otra-energía del cansancio de la cual renegamos, y que nos vincula con nuestras propias fallas”, reflexiona al respecto Valeria Radrigán, doctora en filosofía, Universidad de Chile.


Muro Poniente Mural (((KO))), Estación Metro Quinta Normal

Escáner Cultural nº: 
202
Realizar ...la Acción

Realizar ...la Acción desde Barcelona Alberto Caballero
después de la performance
Mujeres...saber sostener el amor al arte.

Desde Barcelona
Alberto Caballero

Exposiciones de...mujeres....de artistas mujeres, solo me interesa lo singular de cada mujer y de cada obra, lo particular de las instalaciones que se han realizado ultimamente, y están aqui por ir 'mas allá de la performance', de la acción, del cuerpo, utilizando distintos registros: la imagen (fotografia, video) las entrevistas, los catálogos, y por consiguiente 'la instalción' en cada caso también singular, el cambio de lugar implica un cambio de instalación, de un lugar a otro. Son meras notas, donde recomiendo el visionado por lo apasionante de cada una, como mujer y como artista: saber sostener el amor al arte.

Escáner Cultural nº: 
202
Guía de Descarriados

 

BANDA PEQUEÑO VICIO

Por: Marcelo Olivares Keyer

I    OPERETA: PEQUEÑO VICIO

 

   La Banda Pequeño Vicio fue algo más que la feliz coincidencia de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de disección, fue la conjunción de las artes escénicas, encarnadas en el actor y coreógrafo Titín Moraga, y el rock, encarnado en el guitarrista Juan Ramón Saavedra, quien pese a su juventud había pasado por la legendaria banda de rock pesado Arena Movediza. Se asociaron para una opereta pergeñada por Moraga en 1986 llamada Opereta Pequeño Vicio, título al parecer entresacado de algún texto del controvertido escritor  japonés Yukio Mishima. De la base de músicos reclutados para el montaje, resultó el afortunado sexteto que constituiría la alineación “histórica” de esta excelente banda: Titín Moraga (voz), Juan R. Saavedra (guitarra), Iván Delgado (saxo), Andrés Bobe (teclados y guitarra), Luciano Rojas (bajo) y Cristian Araya (batería). Para mediados de 1987 ya tenían unas cuantas canciones a su haber, y en agosto entraron a los Estudios Horizonte para grabar su primer álbum, el que estaría listo a final de año, de modo que a partir del verano de 1988, ya como banda hecha y derecha,  comenzaron a rodar por los boliches santiaguinos. Recuerdo particularmente una presentación en enero en un improvisado escenario montado en un sitio eriazo, como parte del Festival Off Bellavista, en la que –a mí y a mi patota- nos volaron la cabeza, y no sólo por la potencia de sus guitarras, la atmósfera provocada por el sonido del saxo, la pantalla gigante exhibiendo video arte detrás de la banda, o la cantidad de vino que nos habíamos tomado. Era algo más simple y complejo a la vez: estábamos presenciando algo nuevo.

   Cuando al otro día, cerca de la hora de almuerzo y bebiendo cerveza para conjurar la resaca, nos reunimos en nuestro templo por allá por Tobalaba y Departamental, todos teníamos la misma pregunta en la punta de la lengua.

-         ¿Qué fue eso?

   Para entender nuestro trance se hace necesario aclarar que en nuestra tribu, con quienes editábamos el fanzine “Ene-A”, la banda incidental de nuestros días –y sobre todo de nuestras noches- la aportaba el grupo Sumo, cuyos caséts Divididos Por La Felicidad y Llegando Los Monos giraban sin parar mientras nos aventurábamos por el lado salvaje de los caminos del Arte. Por eso, el mayor elogio que podíamos proferir respecto de estos sorprendentes Pequeño Vicio era el de:

-         Se parecen a Sumo.

   Y comenzamos a perseguirlos allá donde tocasen, a pesar de lo complicado que era salir de La Florida por la noche en pos de los lugares en los que la vanguardia tejía su legado. Pero valía la pena, porque entrar a ver a Pequeño Vicio era sumergirse en una nave multimedia, abrir los poros –de la piel y de la mente- y dejarse atravesar por esa telaraña al mismo tiempo agresiva y elegante, rockera y teatral, gótica y sudaca, que estos seis talentosos muchachos supieron construir.

Escáner Cultural nº: 
202
Al Documentar


“Tu patria está llena de basura” primera acción de esta serie.
En la playa San Mateo,19 de septiembre de 2017, dia de las glorias navales.


Mapa o personal manifiesto sobre Amapu Las Amazonas del puerto Colectiva feminista

 

Las razones de las Amazonas

Por Eli Neira

Son tantas las razones para reunirnos; La precarización de la vida en manos del gran capital es la primera y la más urgente; La precarización de nosotras mismas como mujeres  creadoras  viviendo y trabajando en la ciudad de Valparaíso precarizada a un punto álgido; La precarización de nuestras vidas en manos de una cultura que  gusta de matar a las mujeres y a la naturaleza.
 
Nos reunimos para enfrentar esta precarización. Nos juntamos porque estamos hartas de ser tratadas como el pico y tenemos consciencia de nuestro real valor. Nos reunimos porque estamos cansadas de ser la que mejor hace la pega y que siempre contraten a otro; Que los méritos, el sueldo, las flores se las lleve siempre otro por el sólo hecho de tener pichula. Estamos cansadas de ser silenciadas, de ser las no vistas, de ser las expulsadas, las innombradas, las malas de la película. Estamos cansadas de ser tratadas como sujetos de segunda categoría.

Ojo, aclaro que todo lo que yo escriba acerca de Amapu corresponde a mi opinión, a mi visión de las cosas y no necesariamente representa o implica el total acuerdo con las demás miembras de la colectiva. En Amapu nadie representa a las demás, todas nos presentamos solitas, cada una con sus relatos y sus disensos, no buscamos el acuerdo absoluto ni la homogenización de los sentires, habitamos y construimos un lugar común creativo (no sin trabajo).

Escáner Cultural nº: 
201
Transmutando

ANDREA LOUTIT: FLORA, ARTE, NATURA

Valeria Radrigán[1]


 

Sumergirse en la campiña poblada de hierbas y plantas, de lagartijas y de pájaros, seres que viven sin arrastrar el peso de la conciencia y la individuación. (Bodei, 2011, p.16)

 

Cuando ingresé a la casa de Andrea Loutit tuve la sensación de estar entrando en un bosque. Una madriguera vegetal de silencio y de detalles que me invitaban a detenerme, a escuchar y mirar. No pude evitar la sorpresa al acceder a la introspección: en medio de la ciudad, los ritmos acelerados, el tono gris, el ruido, la constante pugna de todas las cosas. En este hogar, la succión, la calma, el verde.

 

    

Plantas en casa de Andrea. Registro de Valeria Radrigán

 

Por el Camino de Cruces

LA DIASPORA CHILENA...

El hilo invisible de la Diáspora chilena/un homenaje crìtico a Roberto Bolaño

Por Rolando Gabrielli©2017

 La Mistral solo volvió finalmente al valle de su infancia, Huidobro y Neruda iban y venían,  De Rokha y Parra permanecieron  prácticamente con sus vidas en Chile, Gonzalo Rojas vivió su exilio y regresó a la provincia. Casi todos partieron y regresaron. Raúl Ruíz, un poeta del celuloide, volvió entre fados y amigos a su última morada desde Parìs, tras una larga estadía de película en la ciudad luz y Europa. Claudio Arrauz, el pianista chillanejo, virtuoso,  residente en Europa y Estados Unidos, también retornó a su patria chica al final de sus días. Rosamel del Valle  regresó de Nueva York y Dìaz  Casanueva, exiliado y diplomático, lo hizo después de un largo tiempo. Las listas nunca están completas y siempre son odiosas, pero el poeta  Waldo Rojas lleva varias décadas en París, al igual que  Oliver Welden en Estados Unidos y ahora España por más de 40 años. Esa cantidad de años pueden ser toda una vida y más.  (Conozco que significa ese tiempo y esos años). Omar Lara volvió de la tierra de Drácula y España, el novelista  Germán Marín de Barcelona, los poetas Armando Uribe y Efraín Barquero, están en casa, venidos de Francia.  Sé que hay más revoloteando por el mundo o en Francia como el pintor  Raúl Sotomayor, Sotelo.  Dorfman se ha quedado en Estados Unidos con visitas prolongadas al patio y  Skármeta  regresó de distintos lugares. Gonzalo Millán dejó Canadá y volvió a Santiago. Los exilios de  los artistas chilenos, músicos, entre otros, son escalonados en el tiempo de vida republicana y tiránica. Esta es una lista arbitraria, trunca, coja, mutilada  como todas, odiosa y no faltaba más, la bests seller  Isabel Allende, en California, zona gemela a Chile, pero muy distante. Algunos se quedaron sin aire en la noche del exilio, el calendario, ni la nostalgia  les perdonó. Hubo flores quizás, lágrimas, recuerdos, himnos, el gran testigo de la memoria, amigos, la bandera tal vez, deudos, esas palabras de lo irrecuperable como una pieza de museo que nos  fue robada. Oscar Hahn se jubiló en Iowa City y volvió. Hubo un momento en que casi todos nos fuimos. Jorge Teillier, Rolando Cárdenas y  su banda de sobrevivientes, se quedaron en el bar Unión Chica,  esperando el tren a Lautaro o un falucho hacia Punta Arenas. Murieron en Chile con la bandera y las copas al tope. Dos pasajeros inmóviles después del Golpe de Estado, y otros se sumaron también a la diáspora alimentada por una República asesinada, barranco abajo. Los poetas no son santos de devoción de ninguna dictadura, su palabra inquietante irrita sus sensibles oídos. Hernán Valdés, poeta y narrador, fue torturado en la parrilla de Tejas Verdes, un campo de concentración  militar, ubicado en el puerto de San Antonio. (Hablé con su novia sueca en un pasaje de Santiago y le dije: me voy. Por Dios, no va a quedar nadie, respondió). Después, Valdés, se convirtió en diáspora en Europa hasta el día de hoy, como el poeta Hernán Lavín Cerda, pero en Mèxico. El Paco Lira Massi murió en extrañas circunstancias en su exilio en París, a los 41 años de edad. No se lo cargó la vida, sino la muerte asesina.

Escáner Cultural nº: 
201
Invitada

ENTREVISTA A MAGNUS RASMUSSEN, COREÓGRAFO de Heterogéne@
 

Por Macarena Pastor

Magnus Rasmussen es docente, intérprete en danza y coreógrafo. En su trayectoria como intérprete ha sido parte de destacadas compañías independientes de Danza Contemporánea en Chile como la Compañía de Danzas Antiguas Sara Vial, el Colectivo de Arte La Vitrina, Pe Mellado Danza, Compañía Otux, entre otras. También ha participado con destacados coreógrafos de la escena nacional como Nelson Avilés, Paulina Mellado, Sonia Araus, Daniela Marini, Paulina Vielma, Exequiel Gómez, Alejandro Cáceres y Marcela Ortiz de Zárate.

 

Asimismo, ha incursionado en la investigación coreográfica en la Danza Contemporánea con los proyectos Homogénica el año 2012, Hegemónico el 2014 y actualmente está pronto a estrenar Heterogéne@, su tercera obra como director, la cual está siendo financiada por FONDART Regional 2017, y que se presentará en espacio La Vitrina durante el mes de octubre del presente año.

 

 

¿Cuáles son los tópicos o temas que atraviesan la obra heterogéne@?

 

En Heterogéne@ se cruzan la complejidad de las relaciones humanas, la relación del sujeto con su cuerpo, la norma, lo establecido, el cuerpo como forma, territorio y lugar de atravesamiento y representación social. En un proceso de investigación en que se trasponen lo femenino y lo masculino, en todas sus formas, las idealizaciones de género y lo que ello representa.

Escáner Cultural nº: 
201
UNIvers(o)
 
Movilización estudiantil por el 6% del presupuesto para la educaciónPrimero la movilización, después el arte…! 
 
 
EL ARTE EN LAS CALLES
 
Clemente Padín
 
La calle y los espacios urbanos imponen un nuevo sistema de relaciones que la galería y los museos hacen imposible: no sólo cambia el marco locativo sino, también, el comportamiento de los espectadores y la índole de las obras. La relación que propone la calle impone una revisión de los esquemas y planteos estéticos y sociales. El sólo hecho de salir a la calle es ya una crítica y un cuestionamiento de la función del arte aunque, como ocurre en muchas ocasiones, las propuestas suelen reproducir los hábitos de consumo pasivo del arte galerístico. No se trata, entonces, de "bajar a la calle" a colgar cuadros o a recitar textos como en las galerías o tertulias, llevando el "arte al pueblo" y dar fe del inconmovible compromiso social. Tampoco, sin duda, "rebelarse contra el sistema" banalizando formas entrañables de la iconografía urbana, sin cuestionarlas. 
 
Cementerio popular en una plaza de Buenos Aires
 
 De lo que se trataría es de interferir esas expresiones, sobre todo sus códigos, y ponerlas en situación de expresar los problemas actuales. No a la manera del sistema cultural vigente que manipula las expresiones simbólicas para perennizar sus estructuras en la sociedad, congelando la comunicación en torno a significaciones vacías: la cultura de "lo ya dado", del Museo, de la Biblioteca Pública, de la Sala de Conciertos, de los Institutos de Enseñanza Artística tanto públicos como privados, etc., ámbitos que el sistema se adjudica para asegurar la hegemonía de sus ideas; ámbitos, también, convertidos en templos consagrados a la sacralización y veneración fetichista de obras que representaron la conflictividad de sociedades del pasado, tal vez eficaces y operantes en su momento, pero no en los actuales. 
 
Vigencia de los derechos de la mujer, México
 

Escáner Cultural nº: 
201
Signos Corrosivos
 
Guillermo Deisler: impulsor visionario
del arte-correo y la poesía visual
(Parte 3 de 4)
 
POESÍA
Poesía es en cierta medida cualquier transgresión a la realidad.  "La realidad" es radicalmente lo "establecido", las instituciones, las costumbres, los usos, las convenciones. De allí se desprende que la poesía (la verdadera) es anti convencional, es desenfadada, no puede ser nunca "grave".
 
LAS ASOCIACIONES
El trabajo poético, la metáfora precisamente, es el mecanismo que despierta o desencadena las asociaciones por las cuales pretendemos que "el lector" llegue a la realidad. A la verdad que le presentamos tras el mecanismo que hemos aplicado: El efecto reflejo.
 
El impacto sicológico que le permitirá descubrirlo.
 
GUILLERMO DEISLER. Enero, 1982
 
Guillermo Deisler, El mundo, serie Habitat
 
Desde México: César Espinosa
 
¿El arte-correo?... ¿La poesía visual? ¡Ah, los años 60s, 80s? Con el final del siglo XX vendrían las generaciones Y y Z, los Millennials y los Centennials: jóvenes  multitareas pero no “workaholics”, autodidactas (dados a la reinvención) y sobreinformados; sobre todo, “nativos digitales”… quieren todo “ahora” y se identifican con los teléfonos celulares, los mensajes de texto, MP3, blogs, todo tipo de tecnología portátil y la música electrónica.
 
Muy listos y preparados académicamente, nacieron bajo el paraguas de una relativa prosperidad económica; todo ello muy relacionado al hecho de que crecieron en medio de la Cultura Hipervisual, mencionada por Umberto Eco al hablar del impacto de YouTube y los cambios en los estándares y referencias visuales. 
 

Escáner Cultural nº: 
201
Invitado


 

Cien años de soledad. Cincuenta años de gloria


Por Antonio Landauro


A la manera de Los Buddenbrook, la primera novela importante de Thomas Mann, Cien años de soledad ofrece la historia de una familia en el transcurso de varias generaciones. Comienza con el recuerdo que el coronel Aureliano Buendía hace de los momentos en que estuvo frente al pelotón de fusilamiento, cuando “Macondo era entonces una aldea de veinte casas de barro y cañabrava construida a la orilla de un río de aguas diáfanas que se precipitaban por un lecho de piedras… como huevos prehistóricos”, y termina con el frustrado amor de Aureliano y Amaranta Úrsula, descendientes suyos.


Esta novela publicada en 1967, que simboliza la cumbre del boom latinoamericano, logra que Macondo cautive con su hechizo los ojos del mundo, y los Buendía guíen los pasos de la narrativa del siglo XX de la mano del realismo mágico. Vargas Llosa la compara con el Amadís de Gaula, por la aureola de misterio y mitificación de la realidad que ella presenta.


Aracataca y Macondo donde no existe el tiempo


La pequeña aldea de Aracataca, donde nace Gabriel García Márquez en 1927 –localidad situada al pie de la sierra de Santa Marta, en los Andes colombianos, sobre la costa del Caribe– le sirve para crear el mítico Macondo, en cuyas calles se entrecruzan espíritus benévolos y malévolos con los que se puede hacer negocio; varones más que centenarios que procrean eternamente; tías absurdas que tejen sus propias mortajas; guerras civiles y fiebres extrañas, como la del banano, que deja enormes secuelas de desgracias como cicatrices y llanto de cataratas.


El tiempo no existe en Macondo, está congelado. Es un lugar ardiente, cenagoso, lleno de episodios donde el encantamiento seduce como un choapino mágico y transporta más allá de la verosimilitud. Aquí todo es posible, hasta lo imposible: mito y realidad, magia e historia, brutalidad y la poesía. El autor, que transforma este pueblo en clave de ficción, logra una fascinante alegoría de la sociología latinoamericana e invita a descubrir la laberíntica fisonomía de la condición humana.

Escáner Cultural nº: 
201
EVA (La Palabra)

Rodolfo Nieto, fuente de expresión e inspiración para muchos pintores mexicanos, por su lírico sentido poético y fantasía que va de lo más delicado a lo más violento. Nieto supo dominar con extraordinaria calidad plástica el óleo, la serigrafía, la litografía, el grabado, la acuarela y el collage gracias a su sensibilidad.

 

 

El apotegma “el respeto al derecho ajeno es la paz” de Benito Juárez, es un pensamiento vanguardista universal inspirado por el filósofo alemán Immanuel Kant (1724-1808) en su ensayo La paz perpetua o Zum ewigen frieden: "El gobernante y el pueblo o un pueblo y otro, no son injustos entre sí si se hostilizan por violencia o por astucia; la injusticia cometida se ejerce únicamente en el sentido de que no respeta el concepto del derecho, único principio posible de la paz perpetua”. Immanuel Kant, a su vez, fue inspirado por el filósofo suizo-francés Benjamin Constant (1767-1830).

De la sentencia al pensamiento, la reflexión y la intención oculta en cada acto, cabe recordar a Heidegger cuando decía "el artista no es un sujeto que se pone a pintar un cuadro, sino un ser humano a través del cual se nos hace presente el mundo y la verdad en el mundo". La verdad en un mundo donde el arte es susceptible a intereses ocultos colocando al artista como peón, dando cabida a un todo invisible al amparo del poder donde cualquiera puede trasgredir el respeto al trabajo del otro, como sucedió en el Museo de los Pintores Oaxaqueños, con la muestra plástica: "Rodolfo Nieto, Pilar del Arte Contemporáneo en México", al ser cancelada de manera definitiva por razones no del todo esclarecidas que justifiquen lo injustificable.

En un manifiesto publicado el 29 de agosto por Alejandro Varela Castillo, se lee en voz alta lo que el pensamiento no calla:

"Me encuentro triste por lo ocurrido el pasado viernes 18 de agosto en el Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO) respecto a la fallida exposición “Rodolfo Nieto pilar del Arte Contemporáneo en México” al punto de replantearme si los oaxaqueños realmente merecemos que denominen a nuestro estado como “la capital cultural de México”. Tengo algunas dudas al respecto: ¿Por qué los responsables de la cultura de nuestro estado no han asumido su responsabilidad ante una falta tan grave? es claro que nuestro expertise puede fallar -todos podemos equivocarnos- pero ante un error de esta naturaleza ¿no sería de esperar que los responsables ofrecieran su renuncia al no poder manejar las funciones propias de su puesto? ¿Acaso no resulta patético que se haya pretendido hacer pasar una serie de cuadros de pésima factura como obra de Rodolfo Nieto e intentar validarlos como auténticos a través de una exposición en el MUPO? ¿Por qué los responsables del museo al enterase que las obras eran falsas no las retuvieron para evitar que estas piezas fraudulentas puedan salir al mercado? ¿Por qué la comunidad artística no ha manifestado su indignación ante lo ocurrido? ¿Por qué solo la expresan en grupos cerrados? ¿Acaso tienen miedo de ser vetados? ¿Por qué los artistas y galeristas no hemos exigido de manera más enérgica que se investiguen los delitos que proceden de falsificar, vender e intentar autentificar obra falsa? pues si esto ocurrió con uno de los máximos exponentes del arte mexicano del siglo XX, no quiero pensar lo que nos espera si actuamos con tanta laxitud y apatía ante un hecho de esta magnitud. ¿Por qué estamos dejando que una pésima explicación les sirva de escudo a los responsables? ¿A quién protegemos? ¿Por qué no hay renuncias, marchas, investigaciones y repudio ante un hecho que pone en tela de juicio todas las virtudes del arte Oaxaqueño? Sólo la renuncia de los involucrados resarcirá el daño producido por su falta de profesionalismo, sin embargo, considero que, si se tratase de un acto realizado con mala fe, deben emprenderse las acciones legales pertinentes en contra de quienes resulten responsables, pues este hecho vulnera la credibilidad del arte oaxaqueño y afecta a un amplio sector relacionado con el medio, pues junto a la gastronomía el arte es uno de los pilares que sostienen el turismo en nuestro estado, generando una importante derrama económica que beneficia a toda la población".

 

 

 

       

 

 

 

 

Escáner Cultural nº: 
201
EVA (La Palabra)

 

 

"Algunos quieren un texto (un arte, una pintura, lo que sea, pero 'creación') sin sombra, separado de la 'ideología dominante', pero es querer un texto, un arte, sin fecundidad, sin productividad, un texto estéril, como el mito de la Mujer sin Sombra. El texto (el arte) tiene necesidad de su sombra: esta sombra es un poco de ideología, un poco de representación, un poco de sujeto: espectros, trazos, rastros, nubes necesarias. La subversión debe producir su propio claroscuro." (Roland Barthes, El Placer del Texto).

He de confesar que me fascina la expresión "un poco de sujeto", tan inteligentemente humilde, tan elegante y precavida, tan conocedora, en definitiva, de los peligros -estéticos- que acarrea la inflación de un Sujeto que se auto presenta con la brutalidad y grosería de su propio Absoluto. ¿Y qué decir de la no menos hermosa frase, insuperable, de "la subversión debe producir su propio claroscuro"? que parece estar diciéndonos de la importancia de escenificar (eso es, de 'teatralizar') lo 'ilegible' de toda creación artística, como si ese caravaggiesco fundido en negro, o ese claroscuro, fuera la cifra de todo aquello que no hemos podido decir, que no lo podremos decir jamás, como siempre sucede en toda relación amorosa. Pero lo hemos intentado.

De ahí que la imagen (el texto), "toda imagen", se encuentra siempre en el límite de la visibilidad. Incluso la más fielmente representativa no es más reconocible que un "Cuadrado" de Malévich. Lacan, hablando sobre la experiencia amorosa, dice lo siguiente (habla el sujeto activo, el que necesita amar más que ser amado): "No te amo por tu bello rostro, tus labios, tu cuerpo... sino que encuentro bello tu rostro, tus labios y tu cuerpo precisamente porque te amo". Es decir: mientras te amo escribo un texto que únicamente puedo leer yo, pues está escrito en la lengua indescifrable que únicamente yo conozco: cuando me muera, o cuando el amor finalice, esa lengua se habrá perdido para siempre. Se diría que la frase de Lacan también la podría haber dicho Werther por boca de Roland Barthes en "Fragmentos de un discurso amoroso". Insisto: toda imagen se encuentra siempre en el límite de su propia visibilidad, como también sucede en toda realidad sentimental y afectiva. Y paradójicamente esa "falta de luz" es la mejor representación posible para significar (contemplar) un rostro, unos labios y un cuerpo profundamente amados y vividos hasta la más incuestionada ceguera, hasta la más luminosa y bella obscuridad. O al menos mientras la pasión (otro "texto") sea capaz de producir la subversión de su propio claroscuro.

Luis Francisco Pérez

 

Escáner Cultural nº: 
201
Invitado

LAURA SZWARC: “Mis acciones cuestionan la colonización impuesta sobre el tiempo y el espacio”

Entrevista realizada por Rolando Revagliatti

Laura Szwarc nació el 11 de enero de 1978 en Buenos Aires —ciudad en la que reside durante una parte del año—, República Argentina. Es artista, pedagoga y activista cultural. Es directora de Akántaros, entidad multicultural y transdisciplinar. Ha realizado guiones y llevado a escena: “El fruto al árbol, el pez al agua y la paz al mundo”, “Otra historia de hadas”, “Para mirarte mejor”, “Del castillo a tu jardín” (teatro para todas las edades); “¡Qué brisa, la risa!” y “Caricias en tus pies” (obras para bebés); “Amor como pomelo”, “Palabras cómplices” y “Kamidaraque” (performance para adultos). Ha sido convocada por diferentes compañías para realizar tareas puntuales como dirección, puesta en escena, coreografía. Su quehacer se desarrolla en América y Europa participando en jornadas, encuentros, seminarios, festivales y ferias vinculadas a las artes escénicas y literarias. Participó en el volumen “El paseo de Jane. Tejiendo redes a pie de calle” (2016). Fue incluida en la antología “Poemas de las dos orillas” (selección de Luis Cabrera Delgado; Centro Benjamín de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras de Bolivia, Santa Cruz, Bolivia, 2016). Junto a Adolfo Colombres tuvo a su cargo el Tomo I, “Literatura breve” de “Literatura popular de Santiago del Estero” (2016). Es la autora de los libros “Obras teatrales para todas las edades” (2014), “Palabras cantadas” (2015), “Para mirarte mejor” (2015), “Entre láminas” (2015), “Cántaro de letras” (2017), “Entonces baila. El cuerpo como texto” (2017), todos a través de Editorial Las Parientas, así como de “Los primos y los tesoros escondidos” (literatura infantil, con ilustraciones de Paloma Abate, Editorial Abran Cancha, 2017). En 2013 publicó, también por Ediciones Las Parientas, el poemario “Harina en vuelo” (con el nombre de An Lu).


1 — ¿De qué te habrás sentido sostenidamente próxima a través de tu evolución?

LS — Hay una ilustración de Isidro Ferrer en el “Libro de las preguntas” de Pablo Neruda, editado por Media Vaca, con la que me siento muy cercana: es un collage donde Pablo Neruda lleva consigo su casa de libros. Así me sentí de pequeña y lo sigo sintiendo, una casa libro, el libro–la casa.

Escáner Cultural nº: 
201
Invitado


NOVELA: YO BIPOLAR.
Capítulo XXXVIII

Todos los hombres están locos y, pese a sus cuidados,
sólo se diferencian en que unos están más locos que otros.

Nicolás Boileau

 

Por Jesús I. Callejas

FRIVOLIDAD Y DRAMA
 

Rosario me ha llamado preocupada; nunca pierde el control, y me alegro. Es la única de esta familia que no me intranquiliza, pero últimamente sus llamadas como que anuncian pronósticos macabros: Debemos hablar personalmente. Sabes que no deseo interrumpir tus actividades, pero… ¿puedo verte ahora? Ninguna actividad interrumpes; sigo en la cama; lente apuntado a la mejilla interior de la techumbre. No tienes que hacerte la irónica. La imagino sonriendo en la distancia. ¿Qué sucede? Luego te digo; pero trata de no entrar en pánico. Trataré. Te veo, entonces; y dale vacaciones a tu paranoia.

En tanto Rosario atraviesa la avenida central -no lejos- inicio los preparativos de un breve manifiesto, con boceto incluido, acerca de mi Nueva Liga Monárquica, que pudiera ser un reciclaje, o jodedora variante, de la república platónica conmigo como único miembro… El plan es imprimir mil tarjetas de presentación con este nombre, número de teléfono y correo electrónico para mostrarle mi desdén a los palurdos de Bajagracia.

Rosario se acomoda, aferra la taza de café que ya la espera, trenza piernas y expulsa: A Julia le han detectado un tumor en un seno. Sudoroso en torso, labios ácidamente expugnables, me exalto: ¡No me digas en cuál! Pero, ¿es que nunca vamos a tener tranquilidad en esta puta vida? Rosario bebe impertérrita; sus ojos no mienten. Al fin expele: Sería estúpido que te recomendara tomarlo con calma; además, mejor que lo sepas por mí, ¿cierto? Sí; ¿está confirmado? Porque, Julia es también propensa a la hipocondría.

Escáner Cultural nº: 
201