Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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APROXIMACIÓN VISUAL DEL TERRITORIO:
SAGRADA, DE MARÍA JOSÉ ROJAS

  • Sagrada, es la obra de María José Rojas como segunda artista invitada de “Aproximación visual del territorio”.

  • El proyecto de artes visuales desarrollado en Independencia tiene como objetivo resaltar una temática característica de la identidad comunal, poniendo a cargo de cinco artistas visuales contemporáneos la investigación, creación, exhibición y discusión de piezas, diseñadas especialmente para la ocasión.

La Comuna de Independencia es la que menos áreas verdes posee dentro del mapa capitalino, de ahí que la pregunta de la relación del hombre con la naturaleza cobre una relevancia mayor, donde se insertan cuestiones de derecho al paisaje, a la belleza, a la vida.

María José Rojas (1974) es artista visual y medial, además de diseñadora teatral. Su obra se desarrolla en la conjunción de estas tres disciplinas en los medios de instalación, video y obra-objeto. Las temáticas que la artista aborda nacen desde su inquietud espiritual por señalar aspectos invisibles o sutiles de la realidad, haciendo cómplice al espectador de un espacio de contemplación y conciencia de su percepción. Su obra se ha expuesto en Chile, Inglaterra, Polonia, Islandia, Suiza y Estados Unidos.

Sagrada es una instalación dividida en dos partes, cuya acción nos plantea la necesidad vital de estar en contacto con la naturaleza. Su primera acción consiste en una intervención, a realizarse el sábado 14 de abril, en el patio del antiguo hospital San José, donde se hará el trazado geométrico de una estrella tetraédrica con plantas de verbena. Su propósito es instalar una figura, heredera del esoterismo antiguo, cuyo poder simbólico se dirige a la transformación y sanación colectiva como motivo activo conducente a la expansión de la vida entendida como dinámica, orgánica y armónica.


Hablame como la Lluvia y dejame escuchar 2 - credito Alejandro Delano
 

Festival Teatro Container lanza programación para celebrar 10 años de trayectoria


El próximo viernes 23 se realizará la inauguración del Festival en la Plaza Simón Bolívar -a un costado de la Plaza Victoria- y contará con la colaboración de los directores de la compañía francesa Generik Vapeur.

Serán 15 las obras y procesos artísticos que darán vida al festival que cierra su primera década de trabajo en Valparaíso. Éstas y otras actividades se extenderán hasta el 1 de abril.

Tras cinco diversas versiones, este 2018 el Festival Teatro Container llega nuevamente a ofrecer al público porteño una invitación a participar de su puesta en ciudad. Esta mañana en un desayuno en la Tornamesa Barón se dio a conocer en totalidad la programación del festival, la cual incluirá 15 obras y procesos artísticos, además de diversas actividades que durante 10 días se desplegarán en 11 puntos de la ciudad de Valparaíso. Por ejemplo, en el Parque Italia se anclará la Villa Container -corazón del festival-, enlazando la programación con distintos cerros, calles, plazas y muelles.

Para participar de las actividades se requiere retirar previamente entradas desde la boletería en Villa Container. Habrán obras de acceso liberad y otras pagadas (línea intimidad) que tendrá un valor de $2.000. La información detallada de la programación la pueden encontrar en el sitio web  www.teatrocontainer.cl

APROXIMACIÓN VISUAL DEL TERRITORIO: ARTE CONTEMPORÁNEO EN INDEPENDENCIA


"Desplazamiento y devenir" es la obra del artista Leonardo Portus que dará inicio al proyecto “Aproximación visual del territorio”. Una propuesta que busca revelar la singularidad del patrimonio cultural de Independencia, articulando un espacio de contacto entre cinco artistas chilenos contemporáneos y los habitantes de la comuna, a través de diversos formatos visuales y encuentros permanentes.

Independencia posee un amplio y rico patrimonio arquitectónico y cultural que se ha ido erigiendo a lo largo de su historia como territorio constitutivo de la ciudad de Santiago. Su condición de ribera del Mapocho le ha permitido dialogar con el centro de la capital como actor periférico, generando su propio mapa social y, con ello, un patrimonio único y significativo. No obstante, debido a diversas coyunturas sociales, actualmente la comuna vive una acelerada transformación de dicho acervo, generando un impacto negativo que incide directamente en su identidad, erradicando o poniendo en riesgo modos tradicionales de vida.

Es en este contexto que el proyecto “Aproximación visual del territorio” reúne de manera inédita a cinco creadores chilenos en torno a la tarea de resaltar una temática característica de esa identidad; poniendo a su cargo la investigación, creación, exhibición y discusión de piezas, diseñadas especialmente para la ocasión, en espacios públicos y no convencionales de la comuna. La batería de artistas formada por Leonardo Portus, María José Rojas, Mario Z, Alejandra Herrera y Javier Mansilla, ingresará al terreno de lo cotidiano desde una mirada que transita por espacios escultóricos, arquitectónicos, sonoros, audiovisuales y performativos, “desmarcando la distancia que normalmente el campo de las artes visuales contemporáneas posee en relación a los distintos estamentos de la sociedad” según explica el Historiador del Arte Andrés Grillo, quien además es impulsor y coordinador general del proyecto.


Detalle Flor de los Mil Petalos 2016. Nora Unda.
 

EXPOSICIÓN de NORA UNDA y JOSÉ BENMAYOR

GALERÍA ANIMAL


El próximo jueves 5 de abril a las 19.00 hr. se inauguran las muestras de Nora Unda y José Benmayor en Galería Animal.

NORA UNDA describe su proceso creativo como el rescate desde los fragmentos de su memoria, de los recuerdos de su infancia, lo que la ha llevado a hacer una traducción de lenguajes a través de la intuición, interpretando personajes abstractos, creando una desfragmentación de la realidad, dando forma a nuevos relatos visuales basados en paisajes oníricos, inspirados principalmente en la naturaleza, animales y la vida.
“Para desarrollar e inmortalizar lo que tengo en mi imaginario utilizo como material principal plasticina, por ser lúdico, volumétrico, transformable y colorido, lo que ha permitido conectarme con fluidez a mi esencia. Actualmente estoy desarrollando la simbología en la manipulación de formas orgánicas, llevándolas a un significado vinculado con el origen de la vida siendo los animales, los principales protagonistas de mis historias”.

 


José Benmayor



JOSÉ BENMAYOR escuchó cuando niño a Pablo Domínguez decir que su estilo de pintura era el realismo falso. “Me daba mucha risa y lo escogí de título. Para mi, es copiar lo que encontramos en la realidad desde una perspectiva personal y no tal cual es.

Registro del montaje de la muestra El Gran Hermano de Cristian Johnson en espacio O de Santiago de Chile

 

MUESTRA “EL GRAN HERMANO”: LA DECONSTRUCCIÓN DE LOS MECANISMOS DE CONTROL DEL PODER

Hasta el 30 de marzo de 2018, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00 a 16:00 h.

 

 

  • La deconstrucción del poder invisible, que en el mundo contemporáneo nos seduce para luego controlarnos y perpetuar el sistema de consumo, es uno de los pilares que sustenta el trabajo del artista chileno Cristian Johnson en su muestra “El gran hermano” que presenta hasta el 30 de marzo en Espacio O.

 

  • A través de un trabajo pictórico y objetual el artista aúna política, religión y cultura popular en un cóctel simbólico cargado de ironía, crítica social y recelo por la tradición establecida. Para ello hace cruces entre los mecanismos de dominación en diferentes épocas y contextos.

 

 

ESPACIO O PRESENTA MUESTRA EL GRAN HERMANO DE CRISTIAN JOHNSON

 

Del 15 al 30 de marzo de 2018, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00 a 16:00 h.

 

-A través de un trabajo pictórico y objetual cargado de referentes culturales, el artista
aúna política, religión y cultura popular en un cóctel simbólico cargado de ironía, crítica social y recelo por la tradición establecida.

 

-Para ello hace un cruce entre los mecanismos de dominación de principios del siglo XX, basados en el temor a la iglesia y el poder de Dios, y los del  mundo contemporáneo donde los sujetos se someten complacientemente a los códigos del capitalismo, lo que resulta igual de efectivo para perpetuar el sistema y sus poderes.

 

 “El gran hermano” es el resultado de un ejercicio deconstructivo en que se develan y cuestionan las estructuras del poder que someten al individuo y perpetúan el sistema tradicional. A principios del siglo XX esos mecanismos se ejercían a través de la moral, la religión y el poder de un Dios omnipresente; en el mundo contemporáneo es el capitalismo y sus códigos seductores y facilistas los nuevos opresores. En ambos, hay un “Gran hermano” que, como en la novela de George Orwell,1984, es omnipresente aunque nadie lo ve, y muy eficiente en mantener y salvaguardar el establishment.

 

Lo que devela Johnson en su muestra es el cambio radical de paradigma en el curso de los dos últimos siglos.“…Pensando además en la revolución digital, Johnson nos plantea el fin de los sujetos disciplinados a través de historias religiosas y de guerra, ajusticiados por su incondicionalidad al sistema y los renuentes, inmolados por sus causas. Es así como el poder hoy no es planteado desde una personificación, ni siquiera desde una institución, sino desde el seno mismo del capitalismo avanzado, oculto o evidente, nos aparece como un mensaje amable y seductor; es un facilitador que permite acceder al conocimiento y al bienestar. No necesitamos ser controlados porque evolucionamos al autocontrol”, explica Arturo Duclós, curador de la muestra.

 

En este marco, la muestra incluye la serie “El equipaje del colonizador”, cuatro retablos plegables construidos por el artista con gran dedicación y oficio e ilustrados en base al libro Catéchisme en Images, texto francés compuesto de 70 grabados con imágenes religiosas católicas, cada una con una explicación y reseña  en el reverso de la página, de carácter eminentemente doctrinario.  Lo pictórico y tradicional es contrastado con objetos de la cultura pop, que el artista coleccionó minuciosamente a través del mundo vía internet. “Son mercancías cuidadosamente elegidas, sin intervención que a veces demoran meses en llegar a mi poder. Las ubiqué estratégicamente en mis retablos para representar el mundo contemporáneo y la promesa neoliberal de un mundo esplendoroso gracias al poder y el dinero. Al final es la otra cara de la misma moneda porque, al igual que la moral y la religión, un Gran hermano nos controla a favor del sistema y su continuidad”, señala Johnson.

 

Además de los retablos, el artista también presenta distintas series de pinturas que profundizan su crítica. En “El dueño del foso”, se vale de la contingencia para desarrollar personajes sometidos, como los niños abusados por el poder de la iglesia o anti sistémicos como Nicolasa Quintremán Calpán 1939-2013, reconocida por su lucha tenaz a la construcción de la central hidroeléctrica Ralco. En la serie“Las víctimas olvidadas”, se inspira en algunos capítulos de la historia como la guerra fría y el golpe de estado en Chile para establecer narrativas cruzadas con las víctimas del nazismo y de la CIA, presentando a estas víctimas a través del Atlas de Anatomía de Pernkopf, con bellísimas y didácticas ilustraciones que se usa aún para enseñar. Eduard Pernkopf fue director del instituto de Anatomía de la Universidad de Viena y miembro del partido Nazi alemán. Reclutó artistas para que ilustraran sus disecciones de cuerpos de ejecutados en los campos de exterminio, labor que demoró más de veinte años en terminar. En las páginas pintadas de este siniestro atlas, Johnson agregó sellos alusivos y detalles relevantes que vinculan a las víctimas con la crueldad del poder.

 

EG 1928, serie Las víctimas olvidadas, acrílico sobre tela.

Fotografía de Cristian Johnson

Víctor Vasarely, Hungría 1908-1997

 

CINETISMO Y GEOMETRÍA, BAJO LA ÓPTICA DE LA COLECCIÓN RALLI

25 AÑOS ANIVERSARIO | MUSEO RALLI SANTIAGO

 21 Marzo de 2018

 

Los Museos Ralli son una institución privada, sin fines de lucro, cuyo objetivo es, desde sus inicios, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay, 1988; Chile, 1992; Israel, 1993; España, 2000; Israel, 2007).

 

Museo Ralli Santiago, emplazado en la comuna de Vitacura, desde 1992 alberga cientos de obras en sus salas y en esta oportunidad celebra su 25 aniversario con una exposición que homenajea la trayectoria de artistas geométricos y cinéticos nacionales e internacionales pertenecientes a su colección.

Esta nueva colección, reunida y seleccionada en Chile, será expuesta por primera vez y en un nuevo espacio expositivo de 140 m2  en el segundo piso, éste se suma al recorrido de las 16 salas con las que hoy cuenta el museo en Santiago. Esta gran sala dedicada al arte geométrico y cinético, escapa de la tendencia surrealista y figurativa que estructura la mayor parte de la colección Ralli, creada por el propio Harry Recanati y su esposa Martine.

 

Obra Ñuke se presentará gratis en el Museo de la Memoria


Del 25 al 28 de enero se estará presentando la obra “Ñuke” (madre en mapudungún): una mirada íntima a la resistencia mapuche, la cual está a cargo de la Compañía de teatro Kimvn. Las funciones serán a las 21:00 horas y van a ser de carácter gratuito, con previo retiro de entradas.


Dirigida por Paula González, Ñuke profundiza en la denuncia y la resistencia. La puesta en escena se realiza al interior de una ruca donde actores, músicos y espectadores comparten el mismo espacio, generando una atmósfera íntima que invita a la reflexión en torno a la violencia histórica ejercida contra el pueblo mapuche.


Esta actividad se enmarca en la temática que el Museo está desarrollando este año 2018, la cual busca poner en valor la Memoria Indígena con el objeto visibilizar las violaciones a los derechos humanos cometidas por el Estado de Chile, durante la dictadura militar.

COMUNICADO DE PRENSA
Directorio ACA 2018-2019

Santiago, 23 de enero de 2017

 

 

ACA, Arte Contemporáneo Asociado A.G., creada en el año 2005 en Santiago de Chile, para facilitar la integración de personas que trabajan al interior del campo del arte contemporáneo (artistas, teóricos, investigadores, gestores, curadores, directores de espacios, docentes de escuelas de arte, periodistas especializados y otros); ha escogido una nueva directiva en la última asamblea realizada el día sábado 13 de enero en el Salón Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). El grupo está compuesto por diversos agentes del campo, quienes demostraron un interés por darle nueva energía y visibilidad a la asociación.

La nueva directiva ha quedado constituida por:
Luis Alarcón, presidente
Claudio Guerrero, vicepresidente
Diego Parra, secretario
Ignacia Saona, tesorera
Claudia Del Fierro, Cristian Inostroza y Néstor Olhagaray, directores consejeros.

El nuevo directorio ha tomado como acuerdo orientar su trabajo hacia tres líneas estratégicas: Primero, participar en el debate público, particularmente pensando en la instalación de un nuevo gobierno y la puesta en marcha del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, donde todos los asociados y asociadas, en tanto que trabajadores y especialistas, debemos velar por la correcta implementación de la nueva Política de Artes Visuales 2017-2022, por el cumplimiento de los concursos públicos y el respeto por los espacios ganados para el gremio, intentando recuperar los perdidos y sumar otros nuevos. Segundo, fortalecer la Asociación, fomentando la participación de sus integrantes en la toma de decisiones. En este sentido, todas las acciones organizadas tenderán a la democratización de ACA, trabajando para dar mayor representación al sector, junto también con el desafío de impulsar su descentralización a través de la colaboración con agrupaciones en otras regiones. Tercero, fomentar las instancias de reflexión teórica y crítica, recuperando algunas experiencias previas de la Asociación, de modo que esta asuma un papel en el debate de ideas a nivel del sistema del arte.

Exposición fotográfica sobre la ilusión óptica se presentará gratis en Estación Mapocho.


Se trata de una serie de fotografías, bocetos y videos que registran la investigación realizada por El Circo Virtual.
 
“El ser humano, una ilusión óptica” es una investigación - performance en nuevos medios de la compañía El Circo Virtual, que nació para reflexionar sobre la percepción del hombre y su entorno (digital y físico) desde de la experimentación en técnicas y efectos vinculados a la luz y la tecnología. A partir de ella desarrollaron una serie de instalaciones y artefactos que juegan con la percepción visual y que nos invitan a reflexionar sobre lo que vemos.

Este proceso de investigación y creación, desde sus bocetos hasta sus aperturas a público fue registrada en fotografías y videos, imágenes que testimonian el desarrollo de la investigación y que hoy conforma la exposición “El ser humano una ilusión óptica, investigación en Mapping, luz y Performance”, que se exhibirá a partir del 17 de enero en la Estación Mapocho.

 

YTO: DEL PIGMENTO AL ELECTRÓN
LIBRO RECOGE TRAYECTORIA DE REFERENTE DEL ARTE MEDIAL EN CHILE


La autora Valeria Radrigán indaga en la vida y obra de la artista Yto Aranda, 
una de las pioneras nacionales en el uso de herramientas digitales como plataformas creativas de acción, 
creadora de la pintura electrónica interactiva y fundadora de la revista online Escáner Cultural.

 

En plenos años 90’ y a través de un concurso en la radio que permitía estar una hora en un cibercafé del Cine Arte Alameda, fue que la pintora Yto Aranda conoció internet por primera vez. Allí tuvo la intuición de que sería a través de ese tipo de plataformas que se podrían comenzar a hacer cosas novedosas que cambiarían el rumbo, no sólo de las artes, sino que de toda la cultura humana.

“La aproximación de Yto al mundo de la computación y la electrónica es muy representativa de instancias generacionales de acercamiento a la irrupción tecnológica de finales del siglo XX. Ella comienza un proceso de búsqueda y autoformación que la lleva a desplazarse desde un trabajo tradicional dentro de las artes visuales hacia un campo que es completamente inédito en Chile”, explica la autora Valeria Radrigán (Extremos del volumen) sobre la motivación que tuvo para realizar la investigación de más de un año en torno a la vida y trayectoria de esta artista que hoy plasma en el libro Yto: Del pigmento al electrón, que será lanzado el próximomartes 23 de enero a las 18:30 Hrs.,en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, sede Parque Forestal.

La publicación de editorial Ocho Libros –proyecto financiado por el
Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, Convocatoria 2017 en el área de investigación- Nuevos Medios y que contó con el patrocinio de Anilla Cultural MAC , recoge la trayectoria de Yto Aranda vinculada a los nuevos medios con una revisión que abarca desde 1997 hasta la actualidad, abordando un primer período de sus trabajos vinculados a la pintura para luego abrirse paso en el territorio de la electrónica, convirtiéndose en pionera y referente del arte medial en el país; reconocida como creadora de la pintura electrónica interactiva (que actualmente puede verse en su mural electrónico sonoro visual para la ciudadanía expuesto en la estación Quinta Normal de Metro de Santiago) y como fundadora de Escáner Cultural, la revista digital sobre arte y cultura más antigua de América Latina.

“Además del análisis de su obra, el libro se basa en entrevistas realizadas a Yto, material inédito de su archivo personal y cuenta con su diseño, y diagramación; lo que lo dota de un componente artístico absolutamente propio. Es una forma de rendir homenaje a la artista cuando ella se encuentra en una etapa completamente productiva. Si se hace un recorrido por las artes mediales en Chile, a persona que se le pregunte, en algún minuto, se cruza con ella. Yto es un hito histórico dentro de las artes mediales chilenas”, agrega.

Yto: Del pigmento al electrón será presentado por su autora en conjunto con la periodista y crítica de arte Carolina Lara y la artista medial, ex directora del área Nuevos Medios del CNCA Valentina Serrati, además de contar con la presencia de Yto Aranda. Contempla también presentaciones posteriores en provincia, está traducido al inglés y será distribuido por la editorial Ocho Libros en diferentes puntos de venta del país.


COORDENADAS:

Lanzamiento libro Del pigmento al electrón
Martes 23 de enero, 18.30 h.

Presentan el libro: Carolina Lara, Valentina Serrati y la autora.

Museo de Arte Contemporáneo, MAC Parque Forestal
Parque Forestal, s/n, Santiago, Chile (Metro Estación Bellas Artes).

http://www.mac.uchile.cl/actividades/a/lanzamiento-libro-yto-del-pigmento-al-electron-



Silvana Gajardo. Palimpsesto. Impresión offset pegadas al muro con engrudo. Medidas variables. 2017.


OTRAS EQUIVALENCIAS

El Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la Universidad Finis Terrae, iniciado el año 2015, esta centrado en desarrollar procesos investigativos en el campo de la imagen, entregando una formación teórica, metodológica y práctica para el desarrollo de proyectos relacionados con la imagen contemporánea, tanto en el campo de las artes visuales, como en otras áreas de estudios y producción.

La exposición OTRAS EQUIVALENCIAS, curada por el artista y académico Cristián Silva-Avária, es la muestra colectiva de egreso de la 2° generación de estudiantes y nos presenta: “un amplio espectro de miradas productoras de visualidades reflexivas y experimentales sobre la condición de la imagen en la contemporaneidad”

Tomado como punto de partida el título de las celebres fotografías que Alfred Stieglitz realizaba durante la primera mitad del siglo XX, en las que el autor ensayaba una definición sobre la condición propiamente fotográfica, las obras que componen esta exposición expresan la necesidad retomar esta búsqueda en un nuevo contexto marcado por la saturación visual y la consecuente homogenización de la mirada.

OTRAS EQUIVALENCIAS expone formas de desvío y disidencia frente a la imposición en los modos de ver que constatamos en nuestra cotidianeidad, construyendo realidades fuera de los márgenes hegemónicos de la imaginería mediática a la que asistimos en estas primeras décadas del siglo XXI.

 

Abierta hasta el 7 de enero de 2018 en el Centro Cultural Agustín Ross  (de la Ilustre Municipalidad de Pichilemu) Avenida Ross 495, Pichilemu. Abierto de lunes a domingo, de 9:00 AM a 22:00 PM. Entrada liberada. http://www.centroculturalagustinross.cl/

 

 

·        Los artistas chilenos Claudia Collao, Sergio Guzmán y Jerónimo Berg exponen en Pichilemu el trabajo realizado en los últimos años, desde diferentes técnicas y expresiones.

 

·        Nacidos en los años 60 y desarrollados artísticamente en los 80´s bajo la dictadura militar, los artistas comparten un imaginario generacional común que se trasunta en las creaciones que exponen en el Centro Cultural Agustín Ross de esta ciudad balneario.

 

 

“Somos la primera generación que nació después de que Yuri Gagarin se convirtiera en el primer ser humano en viajar al espacio exterior. Nacimos en plena guerra fría, en el apogeo de la carrera nuclear, con un muro que dividía Berlin, en una década de protestas contra la guerra de Vietnam, el Mayo del 68 en Francia, y la reforma agraria aqui en Chile, movimientos que arrastraron violentas muertes de líderes como Kennedy, Luther King, Che Guevara y Allende. Fuimos esos niños que jugaban sin el permiso de los padres durante horas lejos de casa, pasando de jugar en los patios, árboles, pasajes, calles y campos a los flippers y a los primeros juegos de video, de esos que nadie tenía en casa y que prendían con una ficha metálica, de esos que cuando estabas en lo mejor te decían con una robótica voz ochentera game over”, constituye parte del escrito curatorial que contextualiza la muestra, elaborado por uno de los artistas expositores, el fotógrafo Jerónimo Berg, quien junto a la pintora Claudia Collao y al escultor Sergio Guzmán dan vida a “Generación X”.

 

 

 

 

 

         TONGOY SE REACTIVA: ¡SUMA TU CABEZA!

 

Con una gran obra pública de creación colectiva, la localidad nortina de Tongoy –famosa por sus días soleados, playas de arena blanca y humedales repletos de pájaros diversos-- celebra dos años de activa renovación. ¡Suma tu cabeza!es un proyecto artístico de reactivación territorial, basado en la cohesión social, la creatividad y la conciencia medioambiental.

Tras el tsunami del 2015, que arrasó con el pueblo y las playas, esta comunidad se ha unido y ha reconstruído sus espacios. Ejemplos notables son la nueva costanera peatonal donde se ubican sus variados restorantes de mariscos y pescados, además de un muelle que será fundamental para el desarrollo de su actividad pesquera.

 

 

Por otra parte se han realizado programas de reciclaje y cuidado del medio ambiente. El proyecto ¡Suma tu cabeza!convocará a toda la comunidad para realizar una obra pública y abierta en el corazón cultural de Tongoy. Estudiantes de la escuela básica y superior, madres, padres, pescadores, comerciantes y todos los ciudadanos que deseen participar trabajarán a la par con creadores y artesanos locales. Cada realizador intervendrá una boya esférica, reciclando así estos objetos que abunda en las costas de la zona contaminando el medio ambiente.  Las boyas (que además llevan agarradores en forma de orejas) se convertirán en cabezas ornamentadas, donde cada creador proyectará de forma carnavalesca y lúdica su imaginación, deseos, personalidad, etc.  Bajo la curatoría de Catalina Mena y la dirección artística de Caterina Purdy --artista visual, músico y performer conocida por su personaje Cholita Sound—estas distintas cabezas se irán ensamblando en una gran obra mural que representará la diversidad. Este trabajo colectivo se inaugura el 7 de diciembre con una fiesta comunitaria también animada por la artista. 

 

¡Suma tu cabeza! es iniciativa delfrancés experto en desarrollo territorial Georges Bonan y desu esposa chilena Teresa Guerrero, quienes viven en La Serena. Convencidos del potencial que tiene este territorio, la pareja lleva dos años  impulsando la revitalización de la zonabajo un programa de reconversión turistica que moviliza 41 empresariosbajo la marca Destino Tongoy. Juntos han trabajado activamente con todos los miembros de la comunidad tongoyina, reforzando sus vínculos afectivos, así como también promoviendo la valoración de su patrimonio histórico, cultural, natural y gastronómico.El programa esta financiado por CORFO y la Corporación Municipal de Turismo de Coquimbo.www.tongoydestino.cl

MUSEO VIOLETA PARRA ABRE INSCRIPCIONES PARA PARTICIPAR DEL

PRIMER ENCUENTRO DE PRÁCTICAS CURATORIALES


El lunes 4 de diciembre se reunirán 16 artistas, curadores e investigadores, quienes abordarán la oralidad, la autoría, la idea de nación y las escenas locales.

“Doce casos de prácticas curatoriales expuestas por doce investigadores visuales, moderados por cuatro sentidos editoriales”, es la propuesta del Primer Encuentro de Prácticas Curatoriales que se realizará el lunes 4 de diciembre entre las 10:00 y las 18:30 horas en la Sala Antar del Museo Violeta Parra.

A cien años del nacimiento de Violeta Parra se presenta la oportunidad de observar su trabajo en relación dialógica con expresiones artísticas contemporáneas, y desde aquí repensar los modos, técnicas, discursos y ambiciones que cruzan su investigación recopilatoria.

Reflexión desde la casa de Violeta

“El Museo Violeta Parra, que ya ha cumplido dos años de vida, ha sumado obras de diversos artistas, como Basco Vazko, Grace Weinrib y Pilar Quinteros en una línea curatorial que intenta  establecer un diálogo entre el legado de la artista y las expresiones contemporáneas. Violeta salió por pueblos y comarcas a recoger testimonios de la identidad profunda. Del mismo modo, el museo convoca, desde la relevancia de los 100 años, a importantes actores de la visualidad para reflexionar y dialogar, en la casa de Violeta, sobre las prácticas curatoriales, vinculándolas siempre con la investigación, la creación y la formación. El rol del museo no puede eludir la necesidad de este gesto. La curadora e investigadora Carolina Herrera ha sido fundamental para articular este primer encuentro”, afirma Cecilia García-Huidobro, Directora del Museo Violeta Parra y experta en patrimonio.