Museos
Tras los incendios que arrasaron con su edificio durante el estallido, el Museo Violeta Parra activó su potencia creativa. Ahora, el 4 de octubre, celebra su quinto aniversario con una nueva imagen, hito que coincide con el cumpleaños de la artista.
Violeta y Nicanor Parra. Crédito foto: Fundación Violeta Parra
Pese a que su espacio físico fue destruido por tres incendios catastróficos durante el estallido social, el Museo Violeta Parra se levantó de las cenizas para subirse con rapidez y eficacia a la realidad digital. Basta dar un vistazo a las redes sociales para comprobar que, a diferencia de otros espacios culturales que se fueron apagando con la pandemia, este Museo se mantuvo durante todo el año hiperactivo, sosteniendo un vínculo cercano con su público y captando nuevas audiencias.
Por una parte el Museo siguió con su itinerancia durante los primeros tres meses del 2020 con el proyecto “La Maleta de Violeta”, continuando así con su trabajo de descentralización y mediación educativa en diferentes comunas y regiones del país; y, por otra, los talleres, actividades y conciertos que tradicionalmente entregaba se diversificaron y expandieron generando una participación inédita. Célebre fue la presencia de Anita Tijoux.
Imagen: Rafael Correa (1872–1959). Recogida de trigo, (primera mitad del siglo XX), Col. MNBA, (detalle).
DE AQUÍ A LA MODERNIDAD. COLECCION MNBA 2018-2019.
Pintura - Escultura - Fotografía - Instalación - Performance
Más de 80 obras de la Colección MNBA se presentan a partir del 16 de noviembre en la exposición De aquí a la Modernidad, con la curatoría de Gloria Cortés Aliaga.
La inauguración de la muestra, el viernes 16 de noviembre a las 20:00 h, coincide con la realización de Museos de Medianoche, invitando a toda la comunidad.
Una revisión a cómo la escena artística chilena ha representado las nociones de modernización y progreso a partir de la segunda mitad del siglo XIX, ofrece la nueva muestra de la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes, con la curatoría de Gloria Cortés Aliaga, a partir del 16 de noviembre. Con el fin de establecer vínculos con obras de artistas nacionales contemporáneos, la exposición también incorpora dos intervenciones a cargo de los curadores Carolina Olmedo y Rodolfo Andaur, además de incluir un ejercicio participativo a cargo del equipo de Mediación y Educación MNBA.
La propuesta curatorial plantea la modernidad como la configuración del progreso técnico y del impulso de las metrópolis, dos mecanismos que regularon social, económica y políticamente el país. Esta idea civilizatoria promovida por intelectuales liberales a mediados del siglo XIX, se instaló en sintonía con la industrialización y el apogeo de la burguesía económica. Proceso que también trajo crecimiento demográfico, desplazamientos humanos y crisis sociales.
“Esta exhibición es una nueva oportunidad para enriquecer la mirada del público, a través de la puesta en valor de las obras que el MNBA resguarda y difunde. La curatoría busca desentrañar cómo los artistas han abordado la modernidad desde diversos puntos de vista, dando cuenta de la complejidad de un período que significó tanto apogeo industrial y desarrollo urbano, como un acelerado cambio respecto de la relación con el trabajo, la tierra y las tradiciones”, señala la Ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés Chadwick.
“¿Cómo responden los/as artistas a estas cuestiones? Hemos seleccionado un grupo de obras de la Colección MNBA, en diálogo permanente con obras literarias del período, que nos permiten dilucidar los modos en que las escenas del arte comprenden, forman y trascienden imaginarios ligados a la constitución de lo moderno o, por el contrario, los desfragmentan y apropian desde una mirada crítica”, explica la curadora.
Obras emblemáticas como La Viajera (1928) de Camilo Mori; La Usina (1956) de Matilde Pérez; El niño enfermo (1902) de Pedro lira; Maternidad (ca. 1940) de Laura Rodig; El jugador de palin (1880) de Nicanor Plaza; Madre araucana (1896) de Virginio Arias; y Carretelas de la Vega (ca. 1933) de Juan Francisco González; imágenes de la serie Nómadas del mar (1992/1995) de Paz Errázuriz; y Vaso de leche N°1 y N°2 (1979) de Cecilia Vicuña; se podrán apreciar junto a obras casi desconocidas de la Colección MNBA. Algunas serán verdaderos descubrimientos para el público general, como Recogida de trigo, realizada en la primera mitad del siglo XX por Rafael Correa; El mal paso (1926) de Jorge Délano; Los salitreros (ca. 1936) de Laura Rodig; Al subir de Orán (1932) de José Antonio Terry, Mujer negra (siglo XX) de Israel Roa o los facsímiles (1972) del grupo CAyC (Centro de Arte y Comunicación) de Argentina.
MUSEO VIOLETA PARRA ABRE INSCRIPCIONES PARA PARTICIPAR DEL
PRIMER ENCUENTRO DE PRÁCTICAS CURATORIALES
El lunes 4 de diciembre se reunirán 16 artistas, curadores e investigadores, quienes abordarán la oralidad, la autoría, la idea de nación y las escenas locales.
“Doce casos de prácticas curatoriales expuestas por doce investigadores visuales, moderados por cuatro sentidos editoriales”, es la propuesta del Primer Encuentro de Prácticas Curatoriales que se realizará el lunes 4 de diciembre entre las 10:00 y las 18:30 horas en la Sala Antar del Museo Violeta Parra.
A cien años del nacimiento de Violeta Parra se presenta la oportunidad de observar su trabajo en relación dialógica con expresiones artísticas contemporáneas, y desde aquí repensar los modos, técnicas, discursos y ambiciones que cruzan su investigación recopilatoria.
Reflexión desde la casa de Violeta
“El Museo Violeta Parra, que ya ha cumplido dos años de vida, ha sumado obras de diversos artistas, como Basco Vazko, Grace Weinrib y Pilar Quinteros en una línea curatorial que intenta establecer un diálogo entre el legado de la artista y las expresiones contemporáneas. Violeta salió por pueblos y comarcas a recoger testimonios de la identidad profunda. Del mismo modo, el museo convoca, desde la relevancia de los 100 años, a importantes actores de la visualidad para reflexionar y dialogar, en la casa de Violeta, sobre las prácticas curatoriales, vinculándolas siempre con la investigación, la creación y la formación. El rol del museo no puede eludir la necesidad de este gesto. La curadora e investigadora Carolina Herrera ha sido fundamental para articular este primer encuentro”, afirma Cecilia García-Huidobro, Directora del Museo Violeta Parra y experta en patrimonio.
MUPE, MUSEO ÚNICO QUE ALBERGA UN EXCLUSIVO Y COMPLETO FÓSIL DE DINOSAURIO
PERO QUE NECESITA UN PALEONTÓLOGO OFICIAL
Por Josep Esteve Rico Sogorb
El MUPE de Elche, referente mundial en Paleontología y museo de alta calidad didáctica y elevado nivel científico aunque no suficientemente conocido, alberga un único y exclusivo ejemplar completo fosilizado de dinosaurio en sus instalaciones. La dirección del centro reivindica la necesidad de contar con un puesto de paleontólogo oficial cubierto por oposición, al igual que el MAHE tiene un arqueólogo municipal.
Gracias al esfuerzo y la dedicación de Ainara Aberasturi, geopaleontóloga vasca recientemente nombrada directora, desde que comenzó 2017 el centro va siendo cada vez más visitado por estudiantes y especialistas, al tiempo que el Ayuntamiento ilicitano ha renovado el convenio de colaboración concediendo un incremento en la subvención anual respecto a la ayuda otorgada en 2016.
Tanto Aberasturi como José Manuel Marín Ferrer, presidente de la Fundación Cidaris que sustenta, rige y coordina al MUPE; coinciden en señalar la necesidad de que el local de este centro sea ampliado o bien que el museo se traslade a otro lugar más espacioso y mejor dotado “porque se nos ha quedado pequeño, tanto para quienes trabajamos aquí como para nuestros visitantes, sean estudiantes de excursión, turistas curiosos e investigadores especialistas en Prehistoria y Paleontología”. –admiten.
Ainara Aberasturi, directora del Museo Paleontológico de Elche (MUPE) se licenció en 1977 en Geología y Paleontología por la Universidad del País Vasco. Tras pasar por varios destinos, se incorpora en 2011 a la plantilla de especialistas del centro ilicitano tras conocer en unos trabajos de investigación y excavación en colaboración con la Universidad de Alicante, como responsable de conservación, al entonces director del MUPE, José Manuel Marín. Los trabajos de investigación-excavación de Aberasturi en la serranía alicantina duraron tres años.
2016 © "En el patio de tu casa" por Rosa Matilde Jiménez Cortés
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26, 27 y 28 de octubre 2016
Inmigrantes latinoamericanos cantan La Marsellesa en el Museo Nacional de Bellas Artes
La instalación de Claudio Correa, “Libertad, Igualdad, Fatalidad” emplaza en la utopía revolucionaria la precaria realidad de la inmigración del siglo XXI. La obra reproduce a escala un barco similar al de los primeros inmigrantes que llegaron a Chile en el siglo XIX y desde éste se emiten tres adaptaciones latinoamericanas de “La Marsellesa”.
Un barco suspendido en el aire, del cual emergen sonidos polifónicos, en sintonía con el movimiento de sus velas, se instala en el hall del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), desde el 6 de octubre hasta el 27 de noviembre. Con esta obra, el artista chileno Claudio Correa (1972) articula una nueva estrategia en sus lecturas críticas de la historia y de la actualidad.
La muestra Libertad, Igualdad, Fatalidad , con curatoría del historiador del arte Sebastián Vidal, resignifica el ideario de la Revolución Francesa por medio de versiones adaptadas del clásico himno La Marsellesa, para traernos a la época actual y evidenciar el estado de la crisis migratoria.
La instalación reproduce a escala un barco similar al de los primeros inmigrantes que llegaron a Chile en el siglo XIX; colonos europeos en su mayoría, quienes poblaron principalmente el sur del país, protegidos por planes estatales de emprendimiento, modernización y transformación cultural y racial.
Diálogo con la obra
profesor@s | Gonzalo Cores
Sábado 20 de agosto, 17 horas
El sábado 20 se agosto se realizará la segunda sesión del ciclo Diálogo con la obra 2016, con la participación de Gonzalo Cores, profesor de historia del colegio Espíritu Santo del Verbo Divino en San Joaquín, quién desde su mirada personal comentará la obra Orfeo atacado por las bacantes (1902), del pintor español Fernando Álvarez de Sotomayor.
La iniciativa, que desde 2012 organiza el área de Mediación y Educación del Museo Nacional de Bellas Artes, se reformuló para invitar a profesor@s de diversas asignaturas y colegios, en lugar de figuras públicas, con el fin de otorgar un papel protagónico a quienes han sido verdaderos cómplices en la puesta en valor de la colección del Museo y en el trabajo con estudiantes. Se trata de Pamela Acuña, Gonzalo Cores, Rodrigo Cuello, Camila Didier, Jacqueline Bustamante y Alejandra Toro, quienes un sábado al mes a las 17 horas, se referirán a obras pertenecientes a la exhibición permanente (en)Clave Masculino, a partir de su visión personal y área de desempeño, para después iniciar un encuentro de diálogo y participación con el público.
Los nuevos protagonistas de Diálogo con la obra son profesionales que están constantemente buscando temáticas que den cuenta de la sociedad actual; que se plantean desafíos para la enseñanza en el aula y que desarrollan vínculos con instituciones distintas a los colegios con el fin se seguir nutriéndose y perfeccionándose. Cada uno/a de los/as profesor@s escogió de acuerdo a sus gustos personales, inquietudes y motivaciones una obra de (en)Clave Masculino, cuya curatoría fue realizada por Gloria Cortés desde la perspectiva del enfoque de género, relevando los roles asignados al hombre y la mujer representados a través de pinturas de autores nacionales y extranjeros.
Seminario “Arte y Educación: Nuevas perspectivas”
Viernes 4 de septiembre.
10 a 13 horas.
Salón José Miguel Blanco, MNBA.
Este viernes 4 de septiembre, de 10 a 13 horas, se realizará el seminario “Arte y Educación: Nuevas perspectivas”, organizado por la Facultad de Artes de la Universidad Católica en el marco de la exposición Co/lección de pintura. Prácticas pictóricas desde la Escuela de Arte UC, que se exhibe en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta el domingo 27 de septiembre.
Cabe señalar que esta exposición pone énfasis en la producción artística de los últimos 25 años de los artistas y académicos Carlos Ampuero (1965), Gonzalo Cienfuegos (1959), Ricardo Fuentealba-Fabio (1970), Gastón Laval (1967), Hernán Miranda (1949), Voluspa Jarpa (1971), Francisco Schwember (1977), Alejandra Wolff (1971) e Iván Zambrano (1963). El título de la muestra, en tanto, hace referencia a una lección de pintura que es, al mismo tiempo, una colección, que se forma a partir de una muestra representativa de obras de los profesores de la Escuela de Arte UC que hoy sostienen un trabajo de enseñanza que dan cuenta de las transformaciones que ha tenido el debate contemporáneo sobre la pintura.
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REFLEJO / SONORO - Colectivo BiotroniK 2.0
Muestra de nuevos medios en el Museo Nacional de Bellas Artes
Entre el 23 de enero y el 5 de abril de 2015, se presentará en el Museo Nacional de Bellas Artes el proyecto Reflejo / Sonoro, una exhibición colectiva compuesta por seis instalaciones interactivas audiovisuales, desarrolladas por seis artistas chilenos de nuevos medios.
Esta iniciativa del colectivo BiotroniK 2.0 intenta promover, entre otros temas, la colaboración en red y el uso de herramientas comunicacionales por medio de una serie de actividades creativas que incluyen: presentación de nuevos medios, acciones relacionales y el lanzamiento del catálogo del proyecto, los cuales proponen intervenir tanto el frontis del Museo Nacional de Bellas Artes, distintas áreas de su Hall Central y la Sala Chile.
Reflejo / Sonoro es una exhibición colectiva que contempla seis instalaciones interactivas audiovisuales, a cargo de seis artistas nacionales: Mónica Barros, Matías Hermosilla, Roberto Larraguibel, Nury Gaviola (Colectivo Larraguibel-Gaviola), Félix Lazo y Claudio Rivera-Seguel. Las obras estarán vinculadas por medio de un interface sonora denominada Instrumento Reflejo/Sonoro.
Si bien cada una de estas instalaciones funciona como un sistema interactivo audiovisual autónomo e independiente, los visitantes podrán interactuar con todas ellas mediante dicho instrumento, lo que les permitirá unificar los audios y generar una mezcla personalizada del contenido sonoro de la muestra.
Durante todo el recorrido el público podrá participar e interactuar con las instalaciones de forma voluntaria y/o involuntaria, ya sea por los constantes estímulos sonoros, visuales y espaciales que lo obligarán a responder, o por lo que su propio cuerpo activará y se reflejará en las obras, debido a la presencia de sensores.
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Intervención artística invita a bailar
a los visitantes del Museo Nacional de Bellas Artes
El proyecto “Estructuras de Trance”, creación de la coreógrafa Fernanda González y la artista visual Macarena Ruiz Tagle, se llevará a cabo entre el 14 y el 18 de enero en distintos horarios (11.00, 12.30, 14.00, 15.30 y 17.00) en el Hall Central del Museo Nacional de Bellas Artes.
Ambas artistas modificarán el hall del museo a través del uso de texturas en el piso e iluminación monocroma, para crear un espacio que invite al público a bailar, uniéndose al trabajo de diez bailarines.
Una coreógrafa, Fernanda González, y una artista visual, Macarena Ruiz-Tagle, se unen en la creación de “Estructuras de Trance”, proyecto beneficiado con el Fondart Regional 2014, en que danza y plástica se unen para generar un espacio de intervención perceptiva e interactiva con el visitante del MNBA. La instalación plástico-dancística se desarrollará en el hall central del museo, entre el 14 al 18 de enero de 2015.
La idea de las artistas es transformar este espacio de tránsito en un lugar de encuentro. Allí, diez intérpretes, más bailarines invitados, trabajarán en solos e intervenciones grupales para relacionarse y compartir el lugar con los visitantes. Así, cualquier persona que ingrese al museo y se sienta convocada a vivir la experiencia podrá convertirse en performer.
El suelo estará cubierto por látex aglomerado cuya superficie, blanda y aterciopelada gracias a uso de nylon flock, invita a una nueva manera de caminar e instalarse sobre él. La idea es que los visitantes, descalzos, experimenten la textura del piso, bailando o dejándose llevar por los sentidos. Además, se intervendrá con color la cúpula del museo, lo que provocará un cambio en los matices de la iluminación interior, alterando la percepción del espacio.
Una señalética especial, amigable y didáctica, ayudará a que el visitante se incorpore a la instalación dancística de manera natural.
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DISOBEDIENT OBJECTS: OBJETOS EN RESISTENCIA
Marta Hernández Parraguez
En un contexto internacional marcado no solo por la visibilidad mediática de las manifestaciones sociales en las calles sino también por su sostenida y progresiva estetización, emerge “Disobedient Objects”, una selección de objetos que han sido partícipes de los movimientos sociales que han impulsado cambios político-culturales durante los últimos 40 años. La muestra se exhibe actualmente en Londres hasta febrero de 2015, en uno de los espacios más representativos de la tradición y la institucionalidad europea: Victoria & Albert Museum.
A pesar de lo paradójico que puede parecer que una exposición que trata sobre aquellos objetos que han intentado corromper la institucionalidad se exhiba, precisamente, en uno de los lugares más representativos de la institucionalidad cultural -un museo que además debe su nombre a los líderes de una monarquía -, el objetivo de la exhibición es mostrar el rol que han jugado los objetos en los movimientos sociales de estos últimos tiempos. Se trata de objetos que, en general, representan el ingenio colectivo y muchas veces anónimo de quienes han confiado en el poder de la ciudadanía para generar cambios en los órdenes preestablecidos. Se trata, por lo tanto, de objetos utilizados mayormente en protestas públicas, pero también de aquellos objetos que fueron producidos al interior de algún proceso político extenso y que surgieron como respuesta estética a éste: objetos generados y utilizados en la propia “lucha” así como objetos de resistencia estética al interior del proceso político mismo.
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SALA MUSEO NACIONAL DE BELLLAS ARTES MALL PLAZA VESPUCIO
“Un mundo pop en cuatro talleres”
Actualmente la Sala del Museo Nacional de Bellas Artes Mall Plaza Vespucio exhibe la obra del Chris Dorland artista que vive y trabaja en la ciudad de New York. En la exposición “Entertainment hardware” presenta una serie de obras que exploran la cultura del consumo.
A propósito de la muestra para septiembre proponemos ocho talleres para abordar el mundo que inspira a este artista canadiense. En los talleres a través de diferentes trabajos se conocerán el movimiento artístico Pop Art, verán sus obras más representativas, y descubrirán además de los recursos visuales ocupados en ella, a qué se refiere el concepto “cultura pop”. Se definirá nuestra propia cultura pop conversando sobre cuales podrían ser nuestros íconos y/o personajes populares.
Todos los talleres son gratuitos y requieren inscripción previa que se puede realizar en el siguiente link
https://docs.google.com/forms o al correo electrónico mnbaplazavespucio@gmail.com o al teléfono 25863232
A continuación los días, horarios y la descripción cada taller:
Sábado 13
a las 12 hrs
Dictado por
Lola Mariscal
“Pop Art, más que 15 minutos de fama”
Para todas las edades
En base a la imagen de un personaje conocido y/o popular (un famoso) los asistentes realizarán una intervención haciendo uso de procedimientos del Pop Art, sean estos: el uso del color, el uso de la serie, el uso de la repetición.
RESEÑA o RE-seña: sobre obras y eventos expositivos de la artista colombiana, Doris Salcedo. Parte I
![](http://www.revista.escaner.cl/files/articulos/im_principal/_salcedo-doris.jpg?1390713289)
Doris Salcedo. Escultora Colombiana
Foto: https://www.pbs.org/art21/series/seasonfive/compassion.php
RESEÑA o RE-seña: sobre obras y eventos expositivos de la artista colombiana, Doris Salcedo.
Parte I
Por Tulio Restrepo
e-mail: tulio.restrepo@une.net.co
Introducción.
Buscando un título para el artículo en cuestión que celebrara los15 años de Escáner Cultural, opté por especular con el significado de la palabra reseña y fragmentarla en dos términos: Re-seña, para encontrar indicios a partir de los cuales pudiera acometer la labor de interpretar la obra de la reconocida artista colombiana, Doris Salcedo y publicar las siguientes reflexiones literarias elaboradas entre 2012 y 2014, donde los textos son nuevamente revisados y la ciber bibliografía es igualmente consultada para reactualizar los vínculos.
Es así como encuentro que el prefijo RE, se refiere contemporáneamente en comunicaciones electrónicas a la preposición utilizada en un e-mail para remitir o contestar de nuevo un mensaje anterior como respuesta al destinatario, interpretado como un memorándum cuyo significado literalmente expresa "respecto a" o “en referencia a" un asunto determinado.
Así mismo, el significado de Re como prefijo en español que proviene del latín, significaría entre otras cosas, repetición, retroceso, renombrar, refluir, intensificación, oposición, recargar, rechazar o también inversión, o reprobar. En el mismo sentido, la palabra Seña, arroja conceptos como nota, indicio, señal, signo o vestigio, rastro que permite deducir algo que no se conoce de manera directa, o desde el dicho popular “por más señas” que expresa las circunstancias o indicios de una cosa.
Reseña o Re-seña, constituye entonces una serie de artículos breves acerca de quince eventos expositivos presentados por la escultora Doris Salcedo en su ya connotada actividad plástica, rastreados a través de textos y del ciberespacio en los cuales sus obras son comentadas respecto a algunos referentes históricos de carácter político, cultural o estético, encausados en acontecimientos de la vida colombiana que han influenciado su obra y en relación a la figura de algunos artistas contemporáneos, expresadas como opinión personal para encontrar o dilucidar aquello que en sus objetos, ensamblajes o instalaciones tienen de poético, concreto o metafórico.
Doris Salcedo(Bogotá, 1958). Escultora colombiana. Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Salcedo obtiene una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá en 1980, y posteriormente viaja a Nueva York, donde completó una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York en 1984. En 1995, recibe la distinción Guggenheim Fellowship for Creative Arts, Latin America & Caribbean.