Acción de arte
Jue, 03/11/2010 - 03:28 | 
CLEMENTE PADÍN O EL CABALLERO ANDANTE
DEL PERFORMANCE Y LA POESÍA EXPERIMENTAL
Por Jochi Muñoz
Hace un mes que Clemente Padín estuvo en esta ciudad de Santo Domingo, y todavía persiste la sensación de placer de haberle conocido. Estuvo agotando una serie de actividades que incluían una exposición con motivo a sus 40 años en el arte acción, una conferencia, la realización de un performance, un taller sobre Poesía experimental, y una sesión de lectura de poesía visual. Ambicioso programa, que de haber sido menos cargado hubiera sido más provechoso, ya que se le hubiera dedicado más tiempo al aspecto práctico del taller, pero, en todo caso, fue una fiesta, una brillante fiesta, ya que a los interesados nos permitió abrevar de viva voz de las experiencias de un maestro latinoamericano del arte.
Arte-estudio, grupo dominicano de gestión de las artes visuales, conformado por la artista Sayuri Guzmán y la curadora Clara Caminero, se involucró en la empresa de traer al maestro, con el respaldo del Centro Cultural de España (CCE), brindándonos así la oportunidad de conocer y departir con uno de los grandes artistas de la vieja guardia que aún se mantiene activo.
La primera actividad del programa fue la inauguración de la exposición Clemente Padín, 40 años de performance, intervenciones urbanas y poesía visual, efectuada el 15 de enero, en la sede del citado centro, curada por Guzmán y Caminero. Valga resaltar que la ciudad de Santo Domingo fue el primer punto de un largo periplo que recorrerá la exposición, visitando diferentes países de América y Europa.
Durante el taller de Poesía experimental, desarrollado del 18 al 20 de enero, muchos de nosotros por fin pudimos vivenciar cosas de las que teníamos referencias de oídas o que conocíamos a través de libros, y que en boca de Padín se redimensionaron. El maestro ofreció un recuento evolutivo de la poesía experimental, visionando y explicando los conceptos de poesía visual, sonora y performática, a través de las obras de los más importantes creadores. El taller culminó con la realización de trabajos por parte de los talleristas, que fueron expuestos en la sala Zona Cero, del CCE, durante dos semanas.
El 19 de enero, Padín impartió también una conferencia abierta al público, que entroncaba con la exposición, ya que ambas hacían referencia a su trayectoria de cuatro décadas en los campos del performance y de la poesía visual. Tras la conferencia, el artista realizó un performance clásico (como el mismo lo llamó), al modo como se realizaban en los años 70.
Parte de los talleristas. De pie, de izq. a derecha: Francis Taylor, Luz Bautista, Awilda Polanco, Lina Aybar, Clara Caminero (organizadora), Jenniffer Rodríguez, Iris Pérez, Nancy Vizcaíno, Luis Reynaldo Pérez y Sayuri Guzmán (organizadora). Sentados, de izq. a derecha: Jochi Muñoz, Clemente Padín, Alexei Tellerías, ¿? y Samuel Gregoire.
Clemente Padín, Licenciado en Letras, poeta experimental, artista y diseñador gráfico, artecorreísta, performero, curador, videasta y networker; con una carga impresionante de exposiciones de su obra, y otras tantas por él curada, se nos reveló como un hombre conocedor de su oficio, como un ser sensible, como una persona motivadora y como un convencido de que para lograr una obra con sustancia es necesario…imprescindible el leer. Leer, reflexionar para que con el tiempo el quehacer artístico devenga en una obra de madurez rotunda.
Tras 40 años batallando, Padín continua realizando performance, impartiendo talleres y dictando conferencias, entre otras actividades. Destaca en su oficio su claridad conceptual, su entrega y su amor a lo que hace, y en lo personal, sus dotes de caballero. Tras su retorno a su tierra natal, Uruguay, deja entre los talleristas un sentimiento de admiración y gratitud.
Santo Domingo, Rep. Dominicana
Sábado 20 de febrero de 2010
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Intervención urbana CC Patas Arriba (Ulises Bustamante)
ENCUENTRO DE PERFORMANCE ZAS! EN MEMORIA DE ALBERTO GRECO
Centro Cultural Patas Arriba
Columna de Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com
Por Claudia Ruiz Herrera
Entre el 24 de octubre y el 14 de noviembre de 2009 se desarrolló en la Ciudad de Avellaneda, el encuentro de performances Zas! en memoria del artista argentino Alberto Greco, el cual constó con la participaciones de artistas de Argentina, Colombia, Brasil y Uruguay.
A los 44 años de la muerte de Alberto Greco, provocador lúcido e innovador, que con sus señalamientos efímeros e imprevistos que él mismo denominó vivo-dito, consistía en señalar a una persona u objeto como obra de arte; incluso el acto de su muerte voluntaria la convirtió en un gesto artístico al escribir la palabra "Fin" en la palma de su mano.
El encuentro de performances se realizó sin imitar ni mucho menos venerar las acciones de Greco, nada más alejado de su esencia, sino realizar nuevas acciones con el espíritu creativo de cada artista invitado.
De las Mutaciones
CAPERUCITA ROJA Y LAS MUERTAS
DE JUÁREZ: EVA SÁNCHEZ EN MÉXICO
Por Araceli Zúñiga
Caperucita Roja. El cuento que (casi) todas las niñas escuchamos alguna vez, con un final (generalmente feliz), aunque ya (desde entonces) desconcertante.
Pero, ¿qué relación tiene este famoso cuento “de hadas” con la violencia de género y el feminicidio en Ciudad Juárez?
¿Qué proyecto representa la otra Caperucita Roja, en este momento de enorme violencia de género, no únicamente en nuestro país, sino en todo el mundo?
Eva Sánchez, videoartista catalana que acaba de visitar México en un amplio espectro de actividades, desde su presencia en el Festival Internacional Cervantino, con una instalación de género, pasando por la impartición de un Taller: “La Instalación como medio de expresión”, en el Museo del Chopo, en Residencias Franco, casa adjunta al Museo, en Doctor Atl número 39, durante el cual se analizaron las diversas opciones en el momento inicial de la creación artística, se eligió un tema y el soporte idóneo para el desarrollo del mismo.
DESDE ARGENTINA VICKY LARRAIN
corporacionculturachile@gmail.com
EL FESTIVAL LATINOAMERICANO POPULAR ENTEPOLA SE REALIZA ESTA VEZ EN ARGENTINA.
NUESTRO PAIS VA REPRESENTADO VIOLETA EN LLAMAS CON LA COMPAÑIA TEATRO DEL CUERPO DE VICKY LARRAIN
VEAMOS LO QUE DICEN SUS ORGANIZADORES ENTEPOLA JUJUY 2009
Fue un éxito en muchos sentidos. AHORA VAMOS CON EL 2010 Artístico: Por la cantidad y calidad de espectáculos que se presentaron durante los 6 días de funciones en el escenario central y luego en La Quiaca durante 4 jornadas más. Esto sirvió tanto al público como a los artistas del medio, que por primera vez pudieron asistir en forma continuada a ver espectáculos gratuitos de toda Latinoamérica entrelazados con obras de producción jujeña, con el broche de cerrar cada jornada con música local.
Social: Por el gran impacto que causo este evento en la sociedad de toda la provincia, no solo por la cantidad de público que colmo noche a noche la sede central en el centro de la capital, sino por que en forma simultánea se realizaban funciones en barrios periféricos y ciudades del interior de todas las regiones de Jujuy. Es decir los espectáculos que se presentaron en el escenario central también se presentaban luego en los barrios y en el interior con la gran novedad de poder llevar este evento a Salta.
Político: Logramos que todas las instituciones de la provincia auspicien y colaboren con la realización de este Festival, así se pudo sumar la ayuda de las diferentes corrientes políticas en una verdadera acción integradora de fuerzas mas allá de su bandera política, lo que logro que el ENTEPOLA JUJUY 2009 como evento independiente convoque colaborar al Senado de La Nación, Secretaria de Cultura de la Nación, Instituto Nacional de Teatro, Secretaria de Turismo y Cultura de Jujuy, Municipalidad de San Salvador de Jujuy, Universidad Nacional de Jujuy, Ministerio de Acción Social, Agrupación Tupac Amaru, Municipalidad de La Quiaca, Municipalidad de Perico, Municipalidad de Palpala, Municipalidad de San Pedro, INT Salta, Sociedad de Actores de Salta, Centro Cultural Tantanakuy, Fundación Ceres, Colegio LaSalle, Abuela y Madres de Desaparecidos corriente histórica.
Pedagógico: Se realizaron 3 talleres con docentes de Venezuela y México en el coliseo jujeño (Teatro Mitre) con asistencia masiva de artistas y publico general que dejo sin cupo cada una de las actividades.
CONCEPTOS PARA EL ARTE DE TEATRO FISICO
Abstracción y Corporalidad
Por Vicky Larrain
Introducción
El concepto abstractoes el estilo artístico que enfatiza aspectos formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas realistas El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje autónomo, dotado de sus propias significaciones. Usa un lenguaje que utiliza fundamentalmente los conceptos de forma, tiempo espacio y sus variantes, para integrarlos al movimiento, (en el caso de la expresión corporal), creando una composición que puede existir con independencia de referencias del mundo real.[
En 1950 el artista y creador de origen ruso Alwin Nikolais estudia y concreta la aplicación del método abstracto para la enseñanza de la danza contemporánea y danza-teatro.
Este estudio lo fundamenta a través de un abecedario que contiene todos los pasos necesarios para elaborar el diseño corporal abstracto.
Es así como el mencionado coreógrafo entrega herramientas que se basan en los conceptos de forma-tiempo-espacio –movimiento y sus variantes.
Investiga cada uno de estos elementos interpretando las partes que componen dichos nominativos.
Pina Baush coreógrafa alemana también utiliza lo que se denomina expresionismo abstracto. No sigue una estructura narrativa ni una progresión lineal. Construye su trabajo a partir de una serie de episodios. Diversas acciones escénicas simultáneas, imágenes de gran fuerza, la utilización de las improvisaciones de los intérpretes, de actividades cotidianas. Acompaña sus creaciones con collage musicales de gran variedad.
IMPROVISACIÓN VERSUS COREOGRAFÍA
Por Vicky Larrain
culturachile2007@gmail.com
Web: www.arteypolitica.cl
Improvisación y coreografía son dos diferentes métodos de creación y composición de movimiento, así como dos opciones contrapuestas de propuesta escénica. La mecánica y funcionalidad de ambas técnicas son perfectamente aplicables a la creación y puesta en escena en otras disciplinas artísticas.
Como herramientas para la creación, coreografía e improvisación constituyen dos modos diferentes de enfocar y abordar la creación e interpretación de una danza, son a grandes rasgos las dos principales herramientas con las que cuenta un creador.
Aunque ambas sirven a un mismo fin, la creación e interpretación del movimiento, son diametralmente opuestas tanto en cuanto a enfoque de creación y metodología de trabajo como en cuanto a resultado.
Cada una de estas técnicas sigue diferentes premisas y cumple una función específica en el proceso de de construcción de la obra.
El acierto en la elección de una u otra herramienta en cada momento del proceso es fundamental y determinará en gran medida el resultado final, por ello la elección de uno u otro método a de ser una decisión premeditada y consciente.
Santiago Sierra. 184 trabajadores peruanos. Matucana 100 Santiago de Chile 2007
Lectura biopolítica sobre la obra de Santiago Sierra
Por Ricardo Pizarro
ricardo.pizarro.c@gmail.com
En el presente texto planteo algunas directrices claves para revisar o releer la obra del artista español Santiago Sierra, desde coordenadas que se centran básicamente en el tema o noción de Biopolitica, esto es, el replanteamiento de la problemática entre Arte y Poder.
La Biolpolítica es una nueva política del poder que hace entrar a la vida y sus mecanismos (o al sujeto en cuanto ser viviente) a los dominios de los calculos explícitos del poder. El concepto cuya genealogía está ligada a la filosofía, está incubado ya en el texto “La analítica del poder” de Foucault, donde el autor revisa los distintos poderes en las sociedades precedentes, los motivos de sus tranformaciones y los orígenes de este nuevo concepto de poder que después recibiría el nombre de biopolítica.
A diferencia del poder Soberano el cual se erigía desde la premisa vertical de el poder de dar muerte, a través de la Ley como sistema lateral. La Biopolítica se abre a las nuevas sociedades como un poder de dar vida, un poder de control y normalización que llega directo sobre el cuerpo viviente, una economía política de los cuerpos, el cuerpo debe ser formado, informado, reformado, en fin, debe ser capaz de producir.
A la Biolpolitica le interesa por tanto la vida, por este motivo pone en relevancia justamente los mecanismos de mantener la vida de la población. La mortalidad infantil, la longevidad, las políticas de seguridad pública, la higiene, se convierten en puntos de suma importancia, que van dirigidas a que la población sea inmune, lograr la inmunidad de la vida.
En la lectura biopolítica del arte, entra en preponderancia la relación entre arte/poder/cuerpo, o bien, el ejercicio del arte como poder sobre los cuerpos o los individuos.
INTERFERENCIAS
Nueva publicación. Cuerpo y Transdisciplina
Brisa MP
INTERFERENCIAS es el resultado ordenado de un proceso que se instala sobre un espacio crítico, de construcción y deconstrucción constante. La publicación reflexiona sobre los nuevos formatos de producción transdisciplinaria situando como eje central el cuerpo en movimiento a partir de mi experiencia en la práctica artística, reuniendo una serie de ensayos realizados entre los años 2005 y 2008 publicados en diferentes sitios web de difusión cultural, expuestos como ejercicios reflexivos, referenciales y críticos paralelos a la producción de obra.
Desde las fronteras de las disciplinas que convergen en mi formación (Artes Visuales, Danza y Cultura Visual), se establecen zonas de interrelación en un territorio de constante búsqueda, preguntas y experimentaciones. Un trayecto de permanente transformación de las metodologías, las pretensiones y modos de acercamiento, desde una zona de creación transitoria e inestable. La práctica artística entonces, puede ser entendida como “ejercicio” del hacer, un proceso que opera sobre la base de la prueba y el error en donde cada obra parece una resultante inacabada. Estos componen una suerte de rizoma conformando un “formato híbrido” como proyección transdisciplinar
De esta manera se incluyen en esta publicación el ensayo “Videodanza un no-lugar”, a modo de análisis de la producción de videodanza, instalándolo como un lenguaje autónomo que entra y sale de las disciplinas que lo conforman pero que no es género, ni rama, ni una más de las facetas disciplinares, sino que se instala en un espacio intersticial y dinámico.
CUERPOS ESPECÍFICOS... EN LA PERFORMANCE. EL CUERPO Y LA LEY EN EL MASOQUISMO Y EN LA PERFORMANCE
||... escritos... latinoamericanos...||
Continuando la serie escritos latinoamericanos, dedicada a los artículos que he presentado en diversas entidades de Latinoamérica entre 2005 y 2008, ofrecemos en este número la conferencia presentada en 'Cuerpos Específicos, Encuentro de Performance para Invierno' (Rosario de Santa Fe, Argentina, agosto de 2006), organizado por el Espacio de Investigación de Arte Contemporáneo La Caverna.
Cuerpos específicos... en la performance
El cuerpo y la ley en el masoquismo y en la performance
Alberto Caballero
Lecturas referenciales
desde el catálogo de la restrospectiva
Günter Brus ‘Quietud nerviosa en el horizonte’
(Los Accionistas Vieneses 1960-1970)
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
Barcelona, 2006
me ha llevado a leer
Leopold von Sacher-Masoch
La venus de las pieles
Viena, 1870
de allí la lectura que hace
Sigmund Freud
El problema económico del masoquista
Viena, 1924
a la lectura que hace
Gilles Deleuze
Presentación de Sacher-Masoch
Lo frío y lo cruel
París, 1967
y la lectura que hace en
Leçonx psychanalytiques sur
Le Masochisme
Paul-Laurent Assoun
París, 2003
El cuerpo desde el masoquismo a la performance
Específico, ca: (Del latín tardío specificus)
1. adj. Que es propio de algo y lo caracteriza y distingue de otras cosas. DRAE
FILOSOFIA DE LA DANZA
Por Vicky Larrain
Danzar no es solo mover el cuerpo al ritmo de una música, eso significa bailar y todos bailamos bien, mal pero lo hacemos.
El artista habla, me dijo alguna vez el arquitecto Mastra Antonio de la Universidad de Valparaíso.. Entendí que era la capacidad de comunicar aquello que piensas esperas sientes y deseas expresar de forma artística- estética y filosóficamente.
El arte de la danza es como un «conocimiento», la antigüedad despreciaba su valor simbólico, o le tenía en poco, sólo se veía como un aspecto placentero. El Renacimiento vincula definitivamente la belleza del ritmo de la danza al arte, llamando al aspecto agradable de los movimientos, composiciones de las bellas artes.
La belleza que se contempla en la danza es captada por percepción sensible (aísthesis). Aunque las teorías estéticas discuten acerca de en qué consiste esta percepción sensible, que a partir del s. XVIII se llamará «sentimiento estético de la danza», sin duda son de importancia primordial los elementos sensibles espacio-temporales para comprender la danza contemporánea. De aquí que la danza se divide en espacial, donde predomina en ella la percepción por el sentido de la vista, o la arquitectura del movimiento; y temporal, donde predomina el sentido del oído y el tiempo, como la música y el ritmo, acá se involucra la danza con la literatura, haciéndose no sólo una vía de comunicación del cuerpo, sino la esfinge de luz que transforma el ocaso del sol en un simple parpadear, porque frente a la danza nunca habrá ocasos, menos la ausencia de luz y amor.
FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO COMUNITARIO ENTEPOLA.
Introducción.
Las necesidades desbordan. El neoliberalismo y la economía de mercados hacen estragos en los pueblos de América Latina. Pero cuando todas las puertas se cierran, una ventana se abre.
Asháninka, una ciudad de Perú que cuenta con poco más de veinte mil 500 habitantes, intenta sensibilizar a la sociedad civil y a los representantes del estado sobre el valor del patrimonio étnico-cultural del pueblo, y la importancia del reconocimiento de la diversidad para el desarrollo local, regional y nacional, y para la construcción democrática del país.
De igual forma, en Argentina los vecinos de la localidad de Patricios, partido de 9 de Julio, dejan en evidencia la pérdida absoluta de su fuente trabajo, los violentos traslados, el desarraigo, el desmembramiento de sus familias y la pérdida de la posibilidad de una vida más digna.
Por su parte, los habitantes de un pueblo de la Provincia de Santa Fe -en Uruguay- reviven la historia del ferrocarril que los llevó a vivir allí, hasta que en la década del setenta se levantaron las vías, convirtiéndose así en un pueblo olvidado y fantasmal.
Donde nace una necesidad, nace una nueva forma de organización; y así fue que los habitantes de todo Latinoamérica comenzaron a nucleares para contar las historias de sus comunidades a través del Teatro. Así surgió el teatro comunitario.
Frente al caos del mundo de hoy, a la atomización y el desorden, es en la comunidad donde el hombre, se reconoce como parte de un espacio colectivo, dialoga y se armoniza con el cosmos; tal es el fin o el sentido, mediante leyes e identidades propias, de todas las culturas. Y el teatro, por sus cualidades, principalmente aquella de duplicar ese mismo sentido colectivo en otro espacio de encuentro, es un vehículo ideal para el logro de esa comunión.
BLANCA RIZZO
Por Vicky Larraín
Cuando Andrés Cárdenas director de pies PA volar, me hablo de ella, su primera maestra y la que le enseño tanto, agrego. Bajo el sol un poco despiadado de enero, sentados en el café La Boa conversamos con Andrés hasta que llego la brisa de la tarde, tarde. Y lo que contó, de cómo la mujer interviene los espacios de cómo es abierta y sin censura para los que trabajan con ella, se me ocurrió la idea de contactarla. Busque en Internet, allí estaba Blanca, le escribí un correo invitándola a dar un curso. Luego di con su teléfono en Buenos Aires. La llamo:
Me responde de inmediato una voz entusiasta, Que manera de estar conectadas dice, te estaba respondiendo ahota mismo. Resultado, Dará un curso en Santiago y presentaremos el final del montaje el montaje en diversas partes públicas de la ciudad incluyendo Valparaíso.
Y BLANCA VIENE A CHILE invitada por la Compañía Teatro del Cuerpo y la Compañía de Papel.
Un poco de historia
O está especializada en técnicas de improvisación y composición. Formada en la Universidad de las Artes y con maestros nacionales e internacionales como Stockoe, Tupin, Fleitas, Angelelli, Szeinblum, Barenstein, Hamilton, Grechi, Pico entre muchos otros. Es performer en espacios no convencionales para la danza como el under porteño, el grupo Escombros de La Plata, galerías de arte, películas, videos, movimiento punk-rock, jornadas de críticos de arte, movimientos artístico-callejeros, ciclos poéticos.
[Eulàlia Valldosera. Obres 1990-2000.]
La mujer-artista, La mujer, el arte
La mujer-artista, ð mujer, el arte
El atravesamiento de la imagen y el encuentro con su nominación simbólica
Por Alberto Caballero
Presentación
La investigación La mujer-artista, ð mujer, el arte’ tiene como antecedente un debate muy intenso sobre la imagen en la postmodernidad, de lo imaginario a lo virtual, que se estaba realizando en la-lista-no-toda, Centro de Investigación Psicoanálisis y Sociedad, al que pertenecía en ese momento. De allí surgió la idea de investigar los derroteros de la imagen en la postmodernidad desde la vertiente lacaniana. El porqué del objeto a través de la imagen, el objeto real y el objeto virtual, las modalidades de la pantalla en la lógica lacaniana, ¿Cómo se pasa de la representación del objeto a la presentación del cuerpo y a la función del agujero? No sólo se ha pasado del objeto al cuerpo, sino además a las marcas que esto deja en el sujeto. La nominación opera sobre lo real del cuerpo.
Con la mujer-artista nomino al recorrido que hace la mujer de ser objeto-modelo para otro como artista, a ella ser objeto-artista al mismo tiempo. Con “Eulàlia Valldosera” nomino al encuentro y aplicación del modelo de investigación a la obra de esta artista entre la acción/la instala-acción y la investiga-acción: entre el mercado y la realidad. Entre el discurso capitalista y su objeto: la realidad ordinaria.
Por un lado, Valldosera crea instalaciones que responden a la realidad ordinaria, que tienen relación con esta pérdida del objeto en tanto pulsional; el objeto se ha consumido, de él queda meramente un resto, una carcasa o envase que servirá como soporte visual no de la imagen perdida, sino de las sombras y de las luces. Por otro lado, Valldosera también monta instalaciones que tienen como soporte la realidad virtual, en las que tiene que realizar una serie de operaciones. En primer lugar, fragmentar la imagen: olvidemos la narración perdida de la antigua escena fantasmática, ahora el espejo es múltiple (Espejos), y la imagen / objeto la pone el espectador con su presencia. Ahora es el espectador el objeto, que pondrá en funcionamiento el aparato, y su imagen se verá fragmentada en múltiples espejos.
La imagen de la mujer es objeto para la representación, como es el caso de “la model vivant”, lo llamaremos imagen objeto i(a); o es objeto para la representación de la imagen del Otro, como es en el caso de “la musa” (Gala), lo llamaremos imagen ideal I(A). No es la mujer el objeto, tampoco es el cuerpo de la mujer el objeto, el objeto es la imagen del cuerpo de la mujer.
Para la Ciencia el cuerpo es lo Viviente, para el Arte el Cuerpo es Imaginario, es la imagen del cuerpo el objeto de la representación. La imagen es un representante del objeto, representa al objeto.
EL ACTO FEMENINO EN EL PERFORMANCE
Por Vicky Larrain
Web:
ELIANA ORELLANA.
La mujer camina y mientras lo hace puede comenzar a quejarse de apoco y mas y tan fuerte que los transeúntes, a su alrededor o pasando, no sabrán si tiene pena, o esta enferma o lo que se les pase por su pensamiento.
Se quejara hasta caer en cualquier calle de la ciudad.
O es la prostituta de alguna esquina, sin representarla se acercara a los hombres y les dirá ¿Vamos? Ve la reacción del hombre asediado, después le dice no quiero ir con Ud.
Con grupos de amigos que llama y la apoyan. Okupa casas vacías y en mal estado como desde el acto artístico de ocuparlas, para limpiarlas, pintarlas y decorarlas con materiales de deshecho, pintura que consigue, y creatividad.
Si cocina Y UNO LE PREGUNTA ¿TE GUSTA COCINAR? TE RESPONDE: ES MI RELACION CON LOS VEGETALES.
Su relación con la vida es un constante performance. Desde la manera en que viste y actúa.
Le cuesta marcar la estructura y solo inicia el método id
REGINA JOSÉ GALINDO EN CÓRDOBA, ARGENTINA
Por Silvio De Gracia
Entre el 4 y el 10 de agosto la prestigiosa artista guatemalteca Regina José Galindo estuvo en Córdoba, Argentina, para desarrollar una amplia agenda que incluyó dos acciones, una conferencia y un taller de performance. Organizado por la artista cordobesa Soledad Sánchez Goldar, y con el apoyo institucional del Centro Cultural España Córdoba, el encuentro con Regina José Galindo permitió a los artistas y al público adentrarse en la obra de una de las artistas de performance más relevantes de la escena latinoamericana actual.
Consagrada en la 51 Bienal de Venecia, al ganar el León de Oro a artista joven, Regina José Galindo ha tenido una carrera casi vertiginosa que la ha llevado a participar en importantes exposiciones como la II Bienal de Moscú; I Bienal de Arte y Arquitectura Islas Canarias; III Bienal de Albania, Tirana; II Bienal de Praga; III Bienal de Lima, Perú; I Festival de Arte Corporal, Venezuela; IX Festival de Performance ExTeresa, México D.F. y en diversas muestras en museos e instituciones alrededor del mundo. Su obra es siempre visceral y polémica. Sus acciones de gran impacto hablan de la muerte, la violencia, el dolor, la memoria histórica y las situaciones de injusticia. Su cuerpo es la herramienta privilegiada en la que se centran sus acciones, y este cuerpo puede presentarse desnudo, torturado, indefenso, cortado o sedado, en rituales que casi nunca excluyen el dolor. Son ya célebres acciones como Perra, donde se escribe esta palabra en una pierna cortándose con un cuchillo; Himenoplastia, en la que se somete a esta operación en una clínica clandestina de Guatemala; Limpieza social, en la que está desnuda y es rociada con el agua de una manguera antimotines; No perdemos nada con nacer; en la que se hace tirar en una bolsa plástica en un basurero municipal; o Carnada, donde, embarazada, cuelga dentro de una red junto al mar.
En Córdoba, la artista presentó una vez más una performance austera, trágica e impactante. Titulada Reconocimiento de un cuerpo, la acción proponía al público enfrentarse a una sala que funcionaba como una morgue, donde el cuerpo desnudo de la artista se ofrecía en una camilla, sedado y ausente, “muerto”, bajo una sábana que debía descorrerse para descubrir a quien yacía debajo. De esta manera, Galindo no sólo habló de la muerte, sino que estableció un nexo entre Argentina y Guatemala porque según la artista ambos países tienen “historias, raíces, problemáticas similares”. En el caso de Argentina, la obra adquiere un tinte eminentemente político, asociándose al tema de los desaparecidos y el terrorismo de Estado ejercido por la dictadura. Pero la misma acción, conectada con la realidad guatemalteca, como indicó la misma Galindo, sólo habla de la violencia y de los muertos que cada día deben ser reconocidos por sus familiares.
